Spielberg. “Con LINCOLN ero meno interessato a una profusione di immagini e ho preferito far evolvere i momenti più umani della sua storia davanti alla macchina da presa”.

 

Nell’analizzare gli ultimi giorni di Lincoln e focalizzandosi sui passaggi più emozionanti ma anche più accesi del dibattito politico, sulle macchinazioni, sui legami familiari, sulle paure e speranze private, Spielberg e Kushner hanno fatto luce sull’evoluzione di una delle maggiori battaglie nella storia, con tutto il suo carico di coinvolgimento emotivo e di umanità. “Il film è caratterizzato da una certa dose di suspense”, osserva il regista, “e in alcuni momenti potrebbe essere visto come una specie di thriller politico”.

 

La socia di vecchia data di Spielberg, Kathleen Kennedy, concorda sul fatto che il film segni un’interessante svolta nella carriera del regista. “Steven ha sempre amato la storia e ha realizzato molti film in un’ambientazione storica, quali ‘L’impero del sole’ (Empire of the Sun), ‘Schindler’s List’ e ‘Salvate il soldato Ryan’ (Saving Private Ryan), e si rende conto del fatto che alcuni dei personaggi più interessanti hanno un’origine storica”, ella osserva. “Ma sapeva che con Lincoln non poteva creare una biografia convenzionale. Lui e Tony hanno cercato uno spunto narrativo più intimo per mostrare l’entità dei traguardi raggiunti, esplorando la fine dello schiavismo e altri eventi chiave che hanno avuto luogo durante la sua presidenza”.

 

 

 

 

 

Fin dall’inizio Spielberg è stato consapevole dell’esistenza di una varietà pressoché infinita di libri che analizzano Lincoln da prospettive diverse. Tuttavia, il regista ambiva a un approccio più fresco e umano, e lo ha trovato in Team of Rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln di Doris Kearns Goodwin che, dopo la pubblicazione nel 2005, è diventato un mega-bestseller, dimostrandosi uno di quei libri avvincenti che non si riesce a smettere di leggere fino alla fine.

 

Spielberg ha iniziato a parlare con la Goodwin riguardo al suo libro diversi anni prima che lei lo terminasse. I due si erano conosciuti in occasione della celebrazione del Millennio a Washington; in quella circostanza, il regista le aveva chiesto su cosa stesse lavorando in quel momento, mostrando un profondo interesse per il tema, benché il libro non fosse ancora ultimato. “Spielberg era impegnato su altri film e ogni tanto mi chiamava dal set chiedendo: ‘Che cosa ha fatto oggi Lincoln?’. Poi, un giorno ha opzionato i diritti del libro”, ricorda l’autrice.

 

Quando è stato pubblicato, l’accoglienza calorosa ricevuta dal libro ha rivelato che la gente desiderava conoscere quel particolare aspetto della vita di Lincoln che la Goodwin aveva trattato: il modo in cui era riuscito a realizzare alcuni enormi cambiamenti per il bene della nazione in un’epoca caratterizzata da acerrime divisioni. Il “team di rivali” nel titolo del libro si riferisce ai tre oppositori sui quali Lincoln ebbe la meglio durante le elezioni presidenziali del 1860, salvo poi invitarli a far parte del suo Gabinetto. La coraggiosa iniziativa incarnava le maggiori qualità di Lincoln: il saper andare d’accordo con i rivali, il genio politico e la bussola stabilmente puntata verso le verità universali della giustizia e dei diritti civili e verso una migliore unione.

 

L’iniziativa era anche il cuore di quello che forse è il suo traguardo più singolare: portare la nazione a sostenere “la nuova nascita della libertà” e porre fine alla pratica immorale della schiavitù al termine della Guerra civile, non solo simbolicamente, ma attraverso un emendamento costituzionale che avrebbe reso l’abolizione dello schiavismo un fondamento permanente della legge nazionale.

 

Come ci riuscì? La Goodwin afferma che Lincoln aveva un’idea molto chiara delle conseguenze inimmaginabili di un eventuale fallimento. “Per Lincoln era indispensabile ottenere l’approvazione del 13° Emendamento perché, se fosse divenuto parte della Costituzione degli Stati Uniti, di cui lui aveva un profondo rispetto, allora lo schiavismo sarebbe stato abolito per sempre. Quindi, egli si avvalse di tutta la sua capacità politica, fece ricorso alle sue relazioni più strette e anche alle conoscenze più superficiali, e attinse alla sua abilità di persuasione per far approvare il 13° Emendamento. Soltanto allora sarebbe stato certo che lo schiavismo era definitivamente finito”.

 

E aggiunge l’autrice: “Credo che il nocciolo della questione fosse ciò che aveva sempre pensato di questo paese: che poteva essere, come amava ripetere, un faro di speranza per tutto il mondo”.

 

Spielberg è rimasto affascinato dal libro della Goodwin. “Quasi ogni pagina poteva essere una perfetta storia cinematografica”, medita il regista. “Ma la cosa più importante è stata lo spirito dell’uomo che lei ha catturato. Qualunque film avessimo girato, era indispensabile attenerci a questa verità”.

 

All’inizio, la Goodwin ha invitato Spielberg e Kushner a una tavola rotonda di esperti su Lincoln per dare loro un senso del difficile territorio in cui avrebbero viaggiato, ed è rimasta sorpresa dalla loro capacità di calarsi nel contesto.“È stata una giornata incredibile”, ricorda l’autrice. “In seguito, tutti gli storici presenti mi hanno scritto per dirmi quanto fossero stati colpiti da Steven e dalla sua conoscenza di Lincoln: la Guerra civile, l’abolizionismo, Mary, tutto. Subito dopo, Tony e io abbiamo iniziato a scambiarci delle mail riguardo a diversi aspetti della vita di Lincoln, e mi sono convinta che nessuno avrebbe potuto fare un lavoro migliore del loro”.

 

 

Spielberg ha sempre pensato che Tony Kushner — che nel 1993 ha vinto il premio Pulitzer con la commedia Angels in America e ha trasformato alcuni eventi contemporanei in una sceneggiatura candidata all’Oscar® con “Munich” — avesse quel tipo di mente intricata e quell’amore profondo per la storia americana necessari per trasformare il libro della Goodwin in una sceneggiatura.

 

Analogamente a Spielberg, anche Kushner è stato catturato dal libro, ma era certo che nessun film sarebbe riuscito a racchiudere l’intero colosso di 800 pagine. “La narrazione è straordinaria ed emozionante”, egli afferma. “È evidente che il libro non può essere trasformato in un film di due ore. È talmente pieno di eventi e di personaggi meravigliosi che non è possibile trovare un percorso narrativo lungo tutta la storia”.

 

Individuare un approccio diverso per LINCOLN è diventata una vera e propria sfida. Kushner ha abbandonato un tentativo iniziale di esplorare la vita di Lincoln dal 1863 fino alla sua morte due anni più tardi, perché la storia risultava ancora troppo estesa.

 

Colto da ispirazione, lo sceneggiatore ha scritto una bozza da cui è scaturita una sceneggiatura di 500 pagine, un manoscritto consistente che ha fatto avere a Spielberg. Il regista ricorda: “Era una delle cose più brillanti che avessi mai letto, ma era enorme, epica e semplicemente inattuabile come film. Mentre la leggevo, però, pensavo che la parte più avvincente scritta da Tony fosse quella di una settantina di pagine sulla lotta per l’approvazione del 13° Emendamento”.

 

Kushner si è nuovamente immerso nella scrittura per altri due anni, cercando di ritagliare dalla bozza iniziale una versione più snella. Poi, inaspettatamente, è arrivata una telefonata da Spielberg.

 

“Ero in macchina, stavo andando nel Connecticut, quando mi ha chiamato sul cellulare”, ricorda Kushner. “Mi ha detto: ‘Vorrei darti un suggerimento, che potresti trovare pazzesco, ma che ne diresti se ci concentrassimo soltanto sul mese di gennaio e sull’approvazione del 13° Emendamento?’. Ricordo che ho dovuto accostare con l’auto perché mi erano venute le vertigini. Steven ha continuato: ‘Trovo questa parte della storia infinitamente emozionante e commovente’. E più lui parlava, più io pensavo che la decisione era davvero coraggiosa e avrebbe sicuramente sorpreso il pubblico. Questa sarebbe stata una parte della storia di Lincoln che la maggioranza delle persone conosce appena”.

 

E aggiunge: “Abbiamo entrambi pensato che fosse un’idea quanto mai puntuale, perché al giorno d’oggi troppa gente ha perso la fiducia nell’autorità del governo, mentre la nostra storia mostra che si possono raggiungere traguardi incredibili e miracolosi attraverso un sistema democratico. Quell’ultimo mese rappresentava anche una lente attraverso cui osservare Lincoln con grande chiarezza. C’erano tutti gli ingredienti che lo caratterizzavano: la famiglia, la vita emotiva e il genio politico. E c’era la suspense di una crisi vera. Lincoln doveva affrontare un dilemma fondamentale: sarebbe riuscito a porre termine allo schiavismo e, al tempo stesso, a tenere insieme gli Stati dell’Unione? E sarebbe riuscito a farlo prima della resa dell’esercito confederato?“.

 

Restringere il campo ha permesso a Kushner di attingere a piene mani delle sue ricerche approfondite e di mostrare Lincoln come aveva sempre voluto, cioè come un uomo alle prese ogni giorno, ogni istante, con il fango della vita politica, ma guidato da una visione più ampia della nazione e del futuro per i suoi figli.

 

La nuova bozza di sceneggiatura ha anche permesso a Kushner di focalizzarsi su alcune controversie riguardanti i metodi e le convinzioni di Lincoln. Ad esempio, Kushner non ha trascurato l’occasionale evidente appoggio dato allo schiavismo, finalizzato a preservare l’Unione, ma ha messo in luce il fatto che Lincoln dovesse agire ‘dando un colpo al cerchio e uno alla botte’. “Egli faceva il possibile per mantenere un equilibrio, promuovendo da un lato l’idea che la guerra civile dovesse finire con l’abolizione dello schiavismo e, dall’altro, cercando di convincere i Nordisti che i loro figli non stavano morendo per porre fine allo schiavismo. La comprensione e accettazione della necessità di trovare un mezzo per raggiungere uno scopo, credo, è parte di ciò che lo ha reso un grande Presidente”.

 

Kushner, inoltre, non ha voluto occultare il fatto che Lincoln pretese poteri eccezionali durante la guerra, i più draconiani mai attribuiti a un Presidente degli Stati Uniti, inclusa la sospensione dell’habeas corpus e il potere assoluto di censura sui mezzi di comunicazione. “Indubbiamente, il modo in cui Lincoln alterò l’equilibrio tra poteri fu senza precedenti, ma necessario perché gli permise di continuare la guerra e mantenere insieme l’Unione. Ogni tanto penso che Lincoln abbia consapevolmente superato i limiti, e da qui nascono altre domande riguardanti i mezzi utilizzati e i fini da raggiungere, che sono il cuore del film che abbiamo realizzato”, spiega lo sceneggiatore.

 

Queste domande si trasformano in qualcosa di umano e vivo nella sceneggiatura di Kushner, attraverso un realismo concreto e un’immersione dinamica nell’atmosfera della Washington, D.C. di Lincoln. Intrecciati fluidamente alle vicende del Presidente, troviamo oltre 140 personaggi, molti dei quali sono celebri personalità e figure affascinanti. “Il processo narrativo è stato complicato”, ammette lo sceneggiatore. “Ma a me è piaciuto perché mettere insieme tutti i pezzi è come risolvere un puzzle mentale. Sono certo che gli spettatori apprezzeranno la storia, anche perché la sceneggiatura era nelle mani di uno dei maggiori esperti di narrativa cinematografica della storia”.

 

Mentre Kushner ha trascorso dieci anni effettuando ricerche ed estrapolando dagli archivi storici molte frasi vere pronunciate dai personaggi, gran parte di ciò che ha scritto è un connubio di ricerca e immaginazione. “Una delle cose straordinarie di questo film è che sappiamo che gli eventi narrati sono accaduti realmente, ma non sappiamo esattamente quali parole sono state pronunciate, e questo mi ha permesso una discreta autonomia, cosa che ho apprezzato molto. Scrivere la sceneggiatura è stato, come solo era possibile che fosse, un atto d’interpretazione”, egli riassume.

 

“È parte della bellezza della sceneggiatura”, dichiara Spielberg. “Tony si è immerso nel linguaggio dell’epoca e poi lo ha riformulato a modo suo. Il risultato è un ibrido fra ricerca storica e capacità linguistica di Tony”, osserva il regista.

 

Kushner è stato particolarmente attento a delineare le nette differenze fra gli schieramenti politici del 1865 rispetto al 2012. “Per noi può apparire fuorviante che i Democratici fossero allora il partito conservatore, quello costituito dai secessionisti del Sud, mentre i Repubblicani fossero i progressisti, favorevoli al governo e talvolta anche radicali”, spiega lo sceneggiatore. “È interessante il modo in cui si sono invertite le posizioni”.

 

Durante tutta la fase di redazione della sceneggiatura, Kushner si è avvalso della Goodwin come fonte più attendibile. Anche lei era emozionata per la decisione di limitare il perimetro della storia a un piccolo scorcio, che rappresentava un microcosmo di Lincoln. “Questa storia dice su Lincoln tutto ciò che io ho voluto trasmettere nel mio libro”, ella osserva. “Si manifesta chiaramente la sua malinconia, il senso dell’umorismo e la profonda convinzione dell’importanza di quell’Emendamento. È chiara la sua determinazione a sostenere il peso della consapevolezza che la guerra sarebbe durata più a lungo perché non vi sarebbero stati compromessi sullo schiavismo. È palese la sua lotta interiore. Appaiono chiaramente le persone che lo circondavano e lo appoggiavano. È evidente la sua grandezza politica e il ruolo primario che ha avuto in questa battaglia. Scegliendo di narrare gli eventi legati al 13° Emendamento, il film cattura in un colpo solo l’umanità, la visione politica e il peso che il Presidente volle assumersi”.

 

La sceneggiatura finale ha catturato tutti coloro che l’hanno letta. “Il modo di scrivere di Tony è affascinante”, dichiara Kathleen Kennedy. “La sceneggiatura è strutturata su più livelli che t’immergono in ogni più piccolo dettaglio del mondo di Lincoln”.

 

Kushner era certo che Spielberg sarebbe riuscito a riportare in vita quel mondo, anche se ciò avrebbe richiesto un approccio insolito. “Steven si reinventa di continuo. Vi sono indubbiamente delle analogie fra tutti i suoi film, ma vi sono anche delle differenze stilistiche notevoli da uno all’altro. Lui riesce ad adattarsi alla storia che sta narrando”, dichiara lo sceneggiatore. “E tuttavia, quando alla fine ho visto il film, la sua crudezza mi ha colpito profondamente. La creazione di Steven appare molto artigianale, con una immersione concreta in ciò che Lincoln vedeva e provava. Lo spirito è molto lincolniano: modesto, tranquillo e concentrato — il che descrive anche l’interpretazione di Daniel Day-Lewis”.

 

La Goodwin, che conosce il mondo di Lincoln meglio di chiunque altro, è d’accordo. Per lei, Spielberg è riuscito a ritagliare una storia viva, una realtà viscerale che avvicina le persone a un’icona più di quanto sia mai avvenuto finora. “Probabilmente, nessun altro avrebbe potuto dirigere LINCOLN e portarlo in vita con tutta la sua umanità, narrando una storia che piacerà a un vasto pubblico ma che non è una semplice biografia. Credo che Steven abbia provato questo senso di responsabilità lungo tutta la produzione”, osserva l’autrice. “Il film presenta Lincoln in un modo che sarà ricordato e spero che ispiri le persone a credere nuovamente nella possibilità di una vera leadership”.

 

 

L’uomo che il pubblico impara a conoscere in LINCOLN è un eroe complesso e contraddittorio, perfino imperfetto, nel senso più attuale del termine. La sua battaglia per l’approvazione del 13° Emendamento è stata da un lato un punto di svolta per la nazione e dall’altro un baratro per l’uomo. Mentre vinceva abilmente le guerre di potere al Campidoglio, sul fronte familiare Lincoln doveva affrontare la perdita di un figlio, i dissidi con una moglie problematica e la paura di perdere un altro figlio in una guerra che pesava quotidianamente sulla sua anima.

 

Questo intreccio fra i due lati di Lincoln è rappresentato dal due volte vincitore dell’Academy Award® Daniel Day-Lewis. Come afferma Spielberg: “Penso che Daniel, come Tony Kushner, abbia capito Lincoln a un livello subatomico, ben oltre ciò che sarei mai riuscito ad articolare. Non ho mai chiesto a Daniel come facesse a penetrare nel personaggio in quel modo; come si suol dire, ‘a caval donato non si guarda in bocca’. Ne ho preso atto con immensa gratitudine. Con Daniel e Tony sentivo di trovarmi tra due giganti del panorama teatrale e interpretativo e mi ripetevo continuamente: ‘Non intralciarli, onora le parole, cattura l’interpretazione, cogli tutto nel modo migliore possibile. Che lascino il proprio segno’”.

 

Il ritratto di Lincoln di Day-Lewis ha preso il via dalla sceneggiatura di Kushner, che a sua volta ha preso spunto dal libro di Doris Kearns Goodwin. “La concezione di Lincoln del film è molto vicina all’idea che Doris ha di lui”, spiega Kushner. “Ho letto un gran numero di libri e articoli su Lincoln, ma ho sempre pensato che la prospettiva di Doris fosse un passo avanti. Lei ne ha compreso la mente politica pragmatica, capace di sacrificare l’amicizia per calcolo politico, quando necessario, ma anche il lato lirico e poetico, e quello scherzoso e incline all’umorismo. Citando Walt Whitman, egli conteneva moltitudini”.

 

Come molte persone, Day-Lewis aveva inizialmente una conoscenza sommaria di Lincoln, associata ad esempio ai suoi discorsi, come quello di Gettysburg. “Ma, come essere umano, non sapevo quasi nulla di lui finché non ho imparato a conoscerlo”, dichiara l’attore. La lettura della sceneggiatura ha dato inizio al processo. “In un modo molto articolato, Tony suggeriva degli spunti sull’uomo legati alla sua intelligenza, all’umorismo e alla malinconia, sia fra le mura domestiche sia pubblicamente. Il contrasto tra i due aspetti è qualcosa che mi dà sempre da pensare. Nella sceneggiatura di Tony osserviamo l’uomo nella sua veste sia pubblica sia privata”.

 

In seguito, Day-Lewis si è dedicato anima e corpo a Team of Rivals, oltre che a molti altri scritti su e di Lincoln. Il libro gli ha offerto una prospettiva più organica. “Il libro di Doris è stato un ottimo inizio”, ha dichiarato l’attore. “Ma leggere i racconti di una vita ti porta solo fino a un certo punto e quello che per me è poi diventato perfino più importante è stato cercare di capire l’esperienza personale di Lincoln dal mio punto di vista. Per questo la testimonianza dei suoi scritti è stata fondamentale. Si ha una percezione dell’uomo attraverso non solo i suoi discorsi ma anche le storie che raccontava”.

 

Un’altra chiave per il personaggio di Lincoln è quella che Day-Lewis chiama “il ritmo dell’uomo”. Egli spiega: “Faceva tutto seguendo i suoi ritmi e poteva fare tutto solo seguendo i suoi ritmi. Aveva bisogno di arrivare alle conclusioni seguendo un processo logico a cui si affidava. Quella che ad altri sembrava inazione o paralisi era solo l’impressione fisica che lui dava. Nella mente, lui viaggiava come aveva bisogno di fare, attraverso ogni passo del processo, dopo di che riusciva ad avere una visione chiara delle cose”.

 

I suoi ritmi erano anche evidenti nel piacere che provava a raccontare storie destinate a suscitare una varietà di reazioni: alleviare un momento difficile o commuovere le persone in modi totalmente imprevisti. “Ricordo una persona che mi era molto cara e che non è più fra noi, aveva la stessa capacità di narrare storie, e poi ho conosciuto altre persone con questo dono, mentre io non sono bravo”, dichiara Day-Lewis. “Una cosa che mi preoccupava un po’ era la capacità di trovare queste qualità. La mente di Lincoln era brillante e acuta, un tratto che mi è piaciuto molto di lui”.

 

L’attenzione data all’umorismo di Lincoln ha gratificato la Goodwin che, nel corso delle sue ricerche, ha trovato quel suo lato particolarmente piacevole. “Era davvero importante che il senso dell’umorismo di Lincoln fosse sottolineato nel film”, ella afferma, “e in effetti lo si ritrova nella sceneggiatura e nell’interpretazione di Daniel. A volte Lincoln sedeva in una stanza e appariva triste, ma poi iniziava a raccontare una storia e immediatamente si rianimava e diventava divertente, mentre gli occhi ammiccavano e la voce cambiava a seconda della storia che stava narrando. È così che voglio pensare a lui: in movimento, intento a raccontare storie”.

 

Mentre di recente qualche storico ha ipotizzato che Lincoln manifestasse alcuni sintomi di depressione, Kushner crede che la gravità nei modi riflettesse invece gli eventi che stavano squassando la nazione. “Era un uomo con una profonda empatia e compassione”, afferma. “Riusciva ad esprimere le sofferenze della gente con grande umanità e comprensione. Oltre a ciò, è stato Presidente durante una guerra spaventosamente cruenta, che ha cambiato il rapporto dell’America con la morte. Aveva quindi un lato cupo, ma le circostanze lo giustificavano”.

 

Kushner aggiunge: “Questa è una delle cose che Daniel è riuscito a catturare: il terribile onere della responsabilità di cui Lincoln si è fatto carico e il senso di solitudine che deriva dal capire il reale significato di quella responsabilità e di ciò che è necessario fare”.

 

E poi c’era la fisicità sottile ma dai lineamenti marcati di Lincoln, insieme alla voce, che non era da baritono, come spesso s’immagina, ma più acuta, da tenore, e si accentuava quando il discorso lo appassionava. Day-Lewis ha incarnato entrambe le caratteristiche, conferendo al personaggio un’umanità lineare e senza fronzoli che lo rende realmente accessibile agli spettatori. “Daniel incarna la fisicità di Lincoln in modo straordinario”, afferma Kathleen Kennedy, “ma è andato ancora più a fondo, riuscendo a dare l’impressione di entrare in contatto con ciò che Lincoln era come uomo. E il rapporto che lui e Steven hanno sviluppato sul set non è stato secondo a nessun altro. Non ho mai visto Steven lavorare con qualcuno in modo così profondo e intimo”. 

 

Il rapporto tra i due si è basato sul rispetto condiviso per Lincoln, spiega Day-Lewis. “Mi è rimasto un senso d’incommensurabile piacere per come Steven e Tony mi hanno aiutato ad esplorare la vita di quest’uomo. Non c’è mai stato un essere umano che io abbia amato tanto e non credo ce ne sarà mai un altro”.

 

Quanto al rapporto di lavoro con Spielberg, Day-Lewis dichiara: “È molto aperto. È la cosa migliore che possa accadere in un ambiente di lavoro creativo. Avere quell’apertura accanto al senso della struttura è un abbinamento potente. Spielberg è anche molto sicuro di sé. Ma la sua fiducia lascia spazio alle necessità e alle energie di tutti quelli che gli sono intorno”.

 

Spielberg e Day-Lewis erano d’accordo sul fatto che il set dovesse essere una sorta di oasi in cui esisteva solo il mondo di Lincoln. Per mantenere integro questo mondo, Spielberg ha chiesto agli attori e al cast tecnico d’immergersi totalmente nella Washington del XIX secolo. “Per rappresentare lo stato d’animo della nazione all’epoca, dovevamo creare un senso di autenticità sul set”, spiega Spielberg, “dove l’unica intrusione dei nostri tempi erano la macchina da presa e i monitor, mentre tutto il resto apparteneva alla realtà di Lincoln”.

 

In effetti, lo scenografo Rick Carter ricorda la sensazione di essere tornato indietro nel tempo quando Day-Lewis è apparso sul set: “Non dimenticherò mai la prima volta che l’ho visto”, medita Carter. “Quello che vedevo davanti a me non era Daniel Day-Lewis, ma l’uomo che era Presidente degli Stati Uniti nel 1865. Ho visto Abraham Lincoln. Non c’era nessuna distinzione tra i due”.

 

 

 

Dietro lo straordinario genio politico e la fede nella democrazia che portò Abraham Lincoln a far approvare il 13° Emendamento, vi era un lato più privato, altrettanto affascinante. Anche mentre affrontava i suoi nemici al Congresso e sul campo di battaglia, doveva misurarsi con i dilemmi della moglie dal temperamento forte ma tormentato e con le scelte del figlio, deciso ad arruolarsi nella guerra che il padre voleva far finire.

 

Per dare vita al ruolo di primo piano che la first lady, Mary Todd Lincoln, ebbe nella vita politica e personale del marito, Spielberg ha scelto Sally Field, due volte vincitrice dell’Oscar® per gli indimenticabili ruoli in “Norma Rae” e “Le stagioni del cuore” (Places in the Heart). Qui la Field ritrae una donna che si dice avesse un carattere altrettanto complesso di quello del celebre marito. Nata in una famiglia ricca e politicamente influente del Kentucky, Mary aveva compreso il potenziale di Lincoln come futuro candidato presidenziale fin dal momento in cui l’aveva conosciuto e, dopo un movimentato corteggiamento, sposato a ventitre anni. (Una volta disse di Lincoln: “Un giorno diventerà Presidente degli Stati Uniti; se non lo pensassi, non lo avrei sposato, dato che, come vedete, non è bello”).

 

Il marito fu eletto Presidente ma, accanto al successo, la loro vita tumultuosa fu segnata da tragedie e disaccordi. Solo uno dei loro figli, tutti maschi, sopravvisse fino all’età adulta. Inoltre, essendo la sua famiglia originaria del Sud, il cuore di Mary fu spezzato in due dalle divisioni scatenate dalla Guerra Civile. Quando divenne first lady, fu criticata per i soldi sperperati per ristrutturare la Casa Bianca e fu messa alla gogna per le sue eccentricità. Le sofferenze di Mary toccarono l’apice quando il marito fu assassinato. Insieme alla morte del figlio minore Tad, questi eventi trascinarono la donna in un vortice di disperazione. Fu ricoverata per un breve periodo in un manicomio prima di passar a miglior vita, con un’immagine ormai sbiadita che oscurava una vita realmente straordinaria.

 

Il compito per la Field consisteva nel portare Mary fuori dal regno del mito e farla diventare una vera moglie e madre in un matrimonio decisamente complicato. “Sotto molti punti di vista, Sally ha avuto uno dei ruoli più difficili del film”, dichiara Kathleen Kennedy. “Molto è stato scritto sull’angoscia di Mary, non solo per la scomparsa dei figli, ma anche per l’indicibile tristezza della Guerra. Sally avrebbe potuto recitare in modo molto prevedibile, invece ha creato un brillante connubio tra la moderazione e la complessità del personaggio. È evidente che Mary si senta sopraffatta, ma si vede anche quanto si sia data da fare per cavarsela da sola, sostenere il marito ed essere la first lady della nazione”.

 

La Field ha effettuato ricerche approfondite su Mary, sperando di andare al di là dei pettegolezzi e delle mezze verità. Ha letto numerosi libri, ha visitato le case in cui Mary ha vissuto e ha incontrato storici e collezionisti di cimeli. “Ovunque sia andata, ho cercato di trovare qualcosa di lei”, afferma l’attrice.

 

La Field si è fatta l’idea che, all’epoca, Mary sia stata criticata tanto aspramente in parte perché la gente amava moltissimo Lincoln. “In un certo senso, credo che le persone l’abbiano demonizzata per dare lustro al marito”, ella osserva. “Lincoln è stato un uomo nobile e totalmente dedito al suo paese in un momento segnato da una guerra orribile e sanguinosa; dire che fosse sposato con una donna bisbetica credo sia una frottola bella e buona. Alla gente piaceva pensare: ‘Pover’uomo, guarda quante ne deve passare’ e in questo c’era qualcosa di vero, ma neanche lui era una persona facile. Poteva essere distante e remoto. Ma Mary ha sempre creduto nella sua genialità e non ha mai dubitato della sua capacità di cambiare il mondo, come lui, di fatto, fece”.

 

In quanto Sudisti, i familiari di Mary erano dalla parte della Confederazione e alcuni uomini politici misero perfino in dubbio la lealtà della first lady. Tuttavia, Mary rimase fermamente fedele all’Unione e votata alla vittoria del marito nella battaglia sul 13° Emendamento. “Penso, soprattutto, che Mary fosse lincolniana”, dichiara la Field. “Era una donna in gamba ma a quei tempi non c’era spazio per le donne a nessun tavolo, eccetto quello da pranzo, quindi lei lo sostenne da dietro le quinte. Politicamente era molto astuta ed era stata fin dall’inizio la sua confidente. Ma penso che quando si trovarono alla Casa Bianca, lei perse in parte il suo ruolo. Lui ora aveva Seward come consigliere e lei si sentì sminuita agli occhi del marito. Poi la morte di Willie fu un colpo tremendo, che la addolorò immensamente. Ma credo anche che lei continuò a sperare di poter rinnovare il legame con il marito, cosa che traspare nel film”.

 

La Field è stata particolarmente attratta dalla possibilità di ricreare sullo schermo l’essenza di un matrimonio lungo e intenso, con tutte le emozioni miste che lo hanno caratterizzato, insieme a Daniel Day-Lewis. I due hanno iniziato a interagire in un modo insolito: scambiandosi note e messaggi nei panni dei personaggi. “Lui mi mandava delle piccole poesie umoristiche e pian piano abbiamo iniziato a costruire un legame d’intimità”, ricorda la Field.

 

I due attori si sono incontrati solo una volta prima dell’inizio delle riprese, a Richmond, e invece di un giro in carrozza, come spesso faceva Mary con Abe, sono andati a passeggio, cercando di trovare quel legame ineffabile che esiste tra marito e moglie. Sebbene non abbiano mai provato formalmente, la Field afferma: “Per quanto mi riguarda, fin dal primo giorno sul set, lui era l’uomo col quale ero sposata da moltissimi anni e che mi stava letteralmente facendo impazzire”.

 

Day-Lewis la pensa allo stesso modo: “Entrambi avevamo fiducia nell’impegno reciproco nel ricreare il loro rapporto. Non c’è stato un solo momento in cui Sally mi sia sembrata una persona diversa da quella che ha condiviso la vita con me durante quel periodo”.

 

La Field osserva che l’autenticità di ogni dettaglio nelle scenografie del film e nel modo in cui Spielberg ha isolato il set come una capsula, senza intrusioni dal XXI secolo, ha contribuito a favorire il processo. “Non ho mai girato un film con una produzione così dettagliata”, commenta. “Aveva senso rimanere in quel mondo ed è stato un modo sublime di lavorare”.

 

La collaborazione con Spielberg è stata piacevolissima. “Ho avuto la fortuna di lavorare con diversi grandi registi e Steven è il meglio che potessi avere”, afferma l’attrice. “È instancabile nella sua visione, ma è anche aperto al cambiamento, se trova di meglio. È sempre disponibile a osservare, pensare e sperimentare modi differenti di effettuare le riprese e a presentare una varietà di idee agli attori”.

 

Sebbene il film abbia trasportato la Field nel lontano passato americano, l’attrice non ha smesso di pensare a quanto la storia fosse contemporanea. “Appare incredibilmente attuale”, osserva l’attrice. “Ha una risonanza non solo negli Stati Uniti, dove le persone si sono trincerate dietro la propria fede politica individuale, ma anche nel resto del mondo. La complessa natura della democrazia —le sue complicazioni, il disordine e la difficoltà di farla funzionare — viene alla ribalta. Ci ricorda che questa nobile nozione di autogoverno delle persone è qualcosa che si deve volere più della vita”.

 

Il matrimonio dei Lincoln subì un nuovo scossone quando il figlio maggiore, Robert, manifestò l’intenzione di entrare nell’esercito dell’Unione per dare il suo contributo allo sforzo bellico. All’età di 21 anni e con un promettente futuro come studente a Harvard, Robert Lincoln non doveva andare in guerra come tanti altri giovani, ma sentiva l’esigenza di partecipare a quel momento storico. I suoi genitori erano di parere contrario. Conoscendo il pauroso tasso di mortalità della guerra ed essendo ancora sconvolti per la morte del figlio Willie, entrambi cercarono di dissuaderlo dall’arruolarsi.

 

Il ritratto del figlio maggiore del Presidente (e unico a sopravvivere e a raggiungere l’età adulta) è delineato da Joseph Gordon-Levitt, noto per i ruoli in “(500) giorni insieme” [(500) Days of Summer], “Inception”, “50 e 50” (50/50), “Il cavaliere oscuro – Il ritorno” (The Dark Knight Rises) e “Looper – In fuga dal passato”. L’attore ha cercato d’immedesimarsi nel dilemma del giovane Lincoln. “Poiché è un privilegiato, Bob sa di essere fortunato: dopotutto, chi vuole combattere in una guerra dove sono così tanti a morire?”, dichiara Gordon-Levitt. “Date le circostanze, Bob è al sicuro da ciò che sta accadendo nel paese. Questo è difficile da accettare per lui che crede fermamente nella causa della guerra e nei diritti degli esseri umani, ed è la ragione per cui vuole andare a combattere”.

 

Come la Field, Gordon-Levitt ha inizialmente comunicato con Daniel Day-Lewis per iscritto. “Era abbastanza strano scrivere a qualcuno che ha sempre rappresentato per me un idolo”, medita l’attore. “Ma è stato un piacere. È un uomo gentile e generoso con le parole. Per me ha significato molto quando ha detto: ‘Sei il mio attore preferito per questo ruolo’”.

 

Il primo giorno sul set Day-Lewis ha fatto avere a Gordon-Levitt una nota scritta con una calligrafia simile a quella di Lincoln. “Poi l’ho visto nei panni del Presidente appena prima che le macchine da presa venissero accese, e mi è piaciuto che il nostro incontro sia avvenuto così”, dichiara l’attore. “In questo modo, il mondo che stavamo creando è rimasto intatto”.

 

Gordon-Levitt afferma che una delle maggiori gratificazioni è stata di far emergere il lato più imperfetto del personaggio di Lincoln, quello che molti non hanno mai visto. “Apprezzo che il film non trasformi Lincoln in un santo”, spiega l’attore. “Ciò che Lincoln ha fatto abolendo lo schiavismo è una cosa realmente grandiosa, ma il film mostra anche i compromessi che ha dovuto accettare, le azioni discutibili ma necessarie per raggiungere il suo scopo. Bob è un buon esempio di ciò perché non è mai riuscito ad avere un vero e proprio rapporto con il padre. Questo esemplifica la complessità della vita di Lincoln e i sacrifici che ha dovuto compiere. La storia è fatta dagli esseri umani e il film mostra Lincoln come un essere umano, con le sue imperfezioni e le ipocrisie, oltre ai suoi punti di forza e alle virtù”.

 

Gordon-Levitt ha provato dei sentimenti analoghi nei confronti di Sally Field. “Siamo stati realistici l’uno verso l’altra, chiamandoci ‘mamma’ e ‘figliolo’ e cose del genere. So che questo può apparire strano, ma quando si recita in modo così reale, tutto diventa più genuino”, riassume l’attore.

 

Il figlio più piccolo dei Lincoln, Tad, un bambino fragile e solitario per il quale si dice che il Presidente provasse un affetto profondo e giocoso, è interpretato dall’attore originario dell’Australia Gulliver McGrath, che di recente abbiamo visto in “Dark Shadows” con Johnny Depp. Gulliver è stato colpito dall’umorismo e dalle emozioni che caratterizzano il ruolo. “Tad è presente in alcune scene divertenti e in altre molto profonde insieme al padre”, afferma. “Fa emergere il meglio dal padre: la premura e la gentilezza”.

 

Gulliver ha lavorato a stretto contatto con Spielberg per immergersi nel mondo di Tad, un mondo insolito, dato che al piccolo era permesso di scorrazzare liberamente per la Casa Bianca, spesso irrompendo nelle sale riunioni dove il padre si trovava con i personaggi più illustri e potenti della nazione. Spielberg ha messo in evidenza lo spirito libero di Tad e il rapporto giocoso che aveva con il padre. “Mi avevano detto che Steven è proprio bravo con i bambini e io sono d’accordo. Con me è stato fantastico”.

 

Gulliver ha inoltre instaurato un rapporto con Day-Lewis per rendere vivo il legame padre-figlio. “Anche quando non dovevamo girare, mi trattava come un padre, dandomi pacche sulle spalle e arruffandomi i capelli”, afferma il giovane attore. “Sia con Daniel sia con Sally ho provato la sensazione di viaggiare indietro nel tempo di 150 anni e di trovarmi nella stessa stanza con i Lincoln. Con loro recitare è stato qualcosa di molto reale e profondo”.

 

La famiglia Lincoln comprendeva un altro membro, che non aveva legami di sangue ma era una parte importante del tessuto familiare: Elizabeth Keckley, la ex schiava che, in un percorso sorprendente, arrivò a diventare sarta alla Casa Bianca, confidente e modista di Mary Lincoln e anche attivista a favore di donne, bambini e schiavi liberati. Questo ruolo è stato affidato a Gloria Reuben, l’attrice e cantante canadese conosciuta per il ruolo stabile nella serie televisiva “ER – Medici in prima linea”.

 

La Reuben definisce la Keckley “una donna straordinaria”. Come spiega: “Era nata schiava e a trentanove anni si è comprata la propria libertà per $1.200. Era molto brava a realizzare vestiti, cosa che aveva imparato dalla madre, e finì con il crearsi una propria clientela di donne dell’alta società e mogli di uomini politici, prima di trasferirsi a Washington, dove conobbe Mary Todd Lincoln che la assunse come sarta personale”.

 

Mentre effettuava ricerche sull’incredibile vita della Keckley, la Reuben ha scoperto che la donna era importante per la famiglia Lincoln e aveva uno stretto legame con Mary, nonostante le differenze abissali delle loro storie. “Anche Elizabeth aveva perso il figlio, arruolato nell’esercito dell’Unione, e credo che lei e Mary fossero emotivamente vicine nel loro dolore”, osserva la Reuben. “Elizabeth diventa una sorta di forza emotiva calmante nella Casa Bianca abitata dai Lincoln”.

 

L’opportunità di lavorare a stretto contatto con Sally Field è stata particolarmente piacevole per la Reuben. “Siamo state buone amiche fin dall’inizio”, dichiara l’attrice. “Tra noi si è subito creato un legame e penso che il ruolo sia perfetto per Sally che, proprio come Mary, è estremamente in gamba, divertente, appassionata e consapevole di tutto ciò che ha intorno. Ha la stessa intensità che caratterizzava Mary”.

 

Una delle scene più commoventi per la Reuben è stata quella dell’approvazione del 13° Emendamento, che la Keckley osserva dall’interno della Camera del Congresso. “È stato particolarmente significativo effettuare le riprese dell’approvazione del 13° Emendamento nella capitale della Virginia, a Richmond. È stato molto emozianante nel senso migliore del termine”, ella conclude.

 

 

 

Fra le molte relazioni politiche di Abraham Lincoln, forse la più interessante fu quella con il suo Segretario di Stato, William Henry Seward, che era stato un suo avversario politico. Seward aveva perso la battaglia per la candidatura alle elezioni presidenziali del 1860 contro Lincoln, e per un periodo era stato suo acerrimo nemico. Ma, una volta entrato a far parte del Gabinetto del Presidente, Seward e Lincoln divennero necessariamente alleati nella battaglia per salvare l’Unione.

 

Le loro menti brillanti a volte si scontravano, ma i due svilupparono un indubbio rispetto reciproco. Come spiega Doris Kearns Goodwin: “Seward sulle prime appare come un temibile rivale, poiché pensava che sarebbe stato lui il Presidente e Lincoln il suo vice. Ma nel 1865 era ormai un estimatore di Lincoln e anzi era il suo più stretto consigliere e suo grande amico”.

 

Per rappresentare Seward con tutta la complessità di un uomo che credeva di avere la stoffa per essere egli stesso Presidente, i realizzatori hanno scelto David Strathairn, uno dei più poliedrici attori americani, candidato all’Oscar® per un altro ruolo di icona storica, quello del giornalista Edward R. Murrow in “Good Night, and Good Luck”.

 

Strathairn è rimasto colpito dal punto di vista illustrato nel film. “Avere una finestra aperta sull’anima di Lincoln in quell’epoca storica è stato straordinario”, egli afferma. “Penso che Steven e Tony abbiano messo in rilievo il sangue freddo e il carattere di Lincoln, così come appare evidente il conflitto tra una forte personalità e un grande obiettivo. Osserviamo anche quanto la situazione sia costata a Lincoln, la notte oscura che ha dovuto affrontare, domandandosi se il fine giustificasse i mezzi”.

 

Nelle sue ricerche Strathairn ha scoperto che l’idea di Seward su Lincoln si è evoluta nel tempo: è iniziata con lo sgomento ed è finita con un affetto al di là delle parole. “Seward fu spiazzato dal fatto che un uomo come Lincoln, che secondo lui era privo di capacità sociali, fosse diventato Presidente. In seguito, imparò a rispettarlo”, afferma Strathairn. “Una volta scrisse in una lettera alla moglie: ‘È il migliore di noi’. Poi, alla fine, dimostrò la massima considerazione per l’animo di Lincoln”.

 

Non appena ha iniziato a lavorare con Day-Lewis, ha pensato che il cast fosse in un certo senso predestinato. “Non erano possibili altre scelte”, afferma l’attore. “Daniel ha conferito una qualità magica e coinvolgente a Lincoln e al set, qualità che è diventata il diapason che ha permesso a tutti noi di trovare la giusta intonazione”.

 

L’attore è rimasto altrettanto colpito dalla regia di Spielberg. “Steven è stato molto generoso, molto vitale e molto attento in ogni momento, e ha trasmesso a tutti la sensazione che stessimo creando insieme qualcosa di totalmente nuovo”, commenta Strathairn. “È stato rigoroso nell’onorare gli eventi legati al 13° Emendamento, ma al tempo stesso è sempre stato aperto a nuovi spunti, il che è stato emozionante”.

 

Per interpretare Francis Preston Blair, il potente uomo politico repubblicano filo-sudista e riformatore, che è stato un consigliere stretto ma battagliero di Lincoln, Spielberg ha scelto un veterano, il candidato all’Academy Award® Hal Holbrook, che per primo ha interpretato Lincoln varie volte, inclusa una serie televisiva negli anni ‘70. Essendo un appassionato di storia (ha studiato l’epoca del XIX secolo da una varietà di punti di vista, incluso quello derivante dal ruolo teatrale di Mark Twain), Holbrook è stato immediatamente attratto dal progetto.

 

“Questa non è solo la storia degli ultimi giorni di Lincoln, è la storia di un conflitto politico e morale che si collega alla vita del nostro paese oggi”, dichiara Holbrook. “Il film è molto personale e credo che il pubblico s’immedesimerà nel cuore e nella testa di quest’uomo straordinario”.

 

Holbrook sapeva che il settantatreenne Blair non era dalla parte dei “buoni” nella storia. Si opponeva alle iniziative di Lincoln per l’approvazione del 13° Emendamento, adoperandosi invece per siglare un immediato trattato di pace con i Confederati. In realtà, con il benestare di Lincoln, a gennaio del 1865 egli incontrò segretamente il Presidente dei Confederati, Jefferson Davis, per verificare la possibilità di concludere celermente la guerra.

 

“Blair era un uomo potente, ricco e interessante che diventò consigliere di Lincoln durante la guerra”, spiega Holbrook. “Ma Blair subiva l’influenza dei Sudisti, quindi non era favorevole all’abolizione totale, quanto piuttosto a una soluzione intermedia. Quando fu il momento di affrontare la quarta primavera di massacri sui campi di battaglia, credo che la sua unica priorità fosse la pace. Egli vedeva che la guerra poteva terminare e quella era la cosa più importante, piuttosto che l’Emendamento”.

 

Avendo egli stesso interpretato Lincoln, Holbrook è rimasto affascinato dalla recitazione di Day-Lewis: “Guardarlo creare Lincoln aveva per me un significato personale”, dichiara Holbrook. “Mi è piaciuto osservarlo e studiarlo. È straordinariamente dotato per il ruolo, ma ha anche il cuore che serve per interpretare il personaggio”.

 

Altre persone nel team di Lincoln hanno dato un contributo reale, per quanto poco visibile, all’approvazione del 13° Emendamento. Queste comprendono i sostenitori politici non ufficiali di Seward — un’incarnazione dell’epoca di quelle che oggi sono le lobby. Nel film sono rappresentati da un trio, interpretato con fascino comico da John Hawkes, James Spader e Tim Blake Nelson.

 

Hawkes (“The Sessions”), che interpreta Robert W. Latham, spiega che il gruppo si occupava del lavoro dietro le quinte della politica, cosa che oggi appare estremamente consueta. “I tre prendevano di mira i Democratici più facilmente plagiabili e li persuadevano a votare per il 13° Emendamento”, spiega l’attore. “Mi è piaciuta la storia, ma ancor di più vedere Steven Spielberg così esultante nel narrarla”.

 

Spader, che interpreta l’avvocato di Nashville W.N. Bilbo, è stato attratto dalla sceneggiatura. “Tony Kushner è riuscito a condensare la lobby di Seward in un trio particolarmente divertente”, egli osserva. “Con Bilbo ha creato un personaggio interessante, che dà una magnifica energia cinetica alle scene”.

 

Tim Blake Nelson, che ha lavorato con Spielberg in “Minority Report”, afferma di avere visto un regista diverso in questo film. “Credo che Steven adatti il modo di dirigere alla storia che sta narrando, e con LINCOLN ha messo in evidenza le interazioni organiche tra i personaggi. Per me è stato come lavorare con due diversi registi — solo Steven poteva rappresentarli entrambi”.

 

 

L’esito del voto per il 13° Emendamento alla Camera dei Rappresentanti rimase incerto fino all’ultimo, e scatenò uno dei dibattiti più accesi e nervosi, tra pressioni politiche e cambiamenti di fronte mai visti nelle Camere del governo americano. Durante il Congresso del 1865, Lincoln dipinse un ritratto vivido della politica americana in tutta la sua grandezza ed eccentricità, con il suo amore per l’arte della persuasione e la certezza caparbia di poter far lavorare insieme persone di opinioni diverse.

 

Una delle voci principali che infiamma il dibattito è quella di Thaddeus Stevens, rappresentante della Pennsylvania e cosiddetto ‘Repubblicano Radicale’, favorevole non solo all’emancipazione degli schiavi, ma anche all’abolizione completa del sistema dello schiavismo su cui si fondava l’economia del Sud. Noto per la sua brillante intelligenza e il sarcasmo, egli era un altro personaggio fuori dalle righe fra i sostenitori di Lincoln — quindi è apparsa appropriata la scelta da parte dei realizzatori di Tommy Lee Jones, conosciuto per un vasto repertorio di personaggi indimenticabili, tra cui il ruolo con cui ha vinto l’Oscar®, quello del deputato Samuel Gerard ne “Il fuggitivo” (The Fugitive).

 

“Tommy Lee Jones era perfetto per interpretare Thaddeus Stevens”, dichiara Kathleen Kennedy. “Non avevamo dubbi. Continuavo a chiedere a Tony Kushner: ‘Stevens ha veramente detto questo?’. Penso che Tommy Lee Jones abbia capito subito chi fosse Stevens. Ne ha apprezzato l’intelligenza e la genuina umanità nella lotta per ciò che era giusto. Aveva capito che, quando si fosse trattato del 13° Emendamento, si sarebbe trovato a combattere una battaglia personale e avrebbe dovuto raggiungere un compromesso per ottenere il suo scopo”.

 

Parlando di Tommy Lee Jones, Day-Lewis afferma: “Non credo che avrò mai un giorno più emozionante di quello in cui abbiamo lavorato insieme. E questo ha a che fare con la sua interpretazione e il suo temperamento”.

 

Sally Field ha recitato una scena particolarmente divertente con Jones quando Mary Lincoln si scontra con Stevens che, in qualità di responsabile della Commissione parlamentare finanziaria, tenta indegnamente di farla arrestare per le spese eccessive sostenute per la ristrutturazione della Casa Bianca. “Credo che Mary disprezzasse Thaddeus”, spiega l’attrice. “Per lei, lui era l’incarnazione del diavolo, non solo perché tentò di farla arrestare, ma anche perché era un radicale che spesso lavorava contro il marito, sebbene appartenessero allo stesso partito. Nel caso del 13° Emendamento, invece, Stevens contribuì al buon esito del voto. Che gran personaggio!”.

 

Ma Stevens custodiva un segreto: la sua governante, Lydia Hamilton Smith, una vedova che lavorava per lui da venticinque anni e che in seguito, grazie ai contatti che si era creata, divenne una delle poche donne d’affari nere del XIX secolo. I due erano palesemente vicini e, probabilmente, soci di un’organizzazione che aiutava gli schiavi degli stati del Sud a raggiungere il Nord. Molti storici ritengono che Stevens e la Smith fossero anche amanti clandestini. Il ruolo della Smith è stato affidato alla vincitrice del Golden Globe® e dell’Emmy Award® S. Epatha Merkerson.

 

È stata la sceneggiatura di Tony Kushner a conquistarla. “Amo l’umanità di Tony, i dialoghi, il suo cuore e l’umorismo”, afferma l’attrice. “Quando mi ha chiamata per chiedermi se volevo interpretare Lydia, ho iniziato a interessarmi a questo personaggio che diventa una grandissima donna d’affari in un’epoca in cui a una donna di colore non sarebbe mai stato permesso — e questo aspetto mi ha affascinata”.

 

La Merkerson ha apprezzato in particolare l’opportunità di leggere il 13° Emendamento a voce alta sullo schermo. “Steven continuava a dire che, quando Lydia leggeva, doveva manifestare lo sbalordimento del momento — e quella è stata un’indicazione perfetta. Ecco una donna nera che ha vissuto in un’epoca in cui il suo popolo non contava nulla, le donne erano stuprate, gli uomini assassinati e i figli strappati alle famiglie. Lei aveva visto tutto ciò quando lavorava per l’organizzazione che aiutava gli schiavi del Sud a scappare verso il Nord e questo momento doveva servire a rendere pubblico qualcosa d’incredibile”.

 

Un’altra voce importante nella Camera è quella di un membro del Congresso, l’arrogante newyorkese Fernando Wood, che simpatizzava per la Confederazione. Wood è interpretato da Lee Pace, che vedremo prossimamente nell’adattamento di Peter Jackson di “Lo Hobbit – Un viaggio inaspettato” (The Hobbit). Per Pace l’ispirazione per uno dei più noti antagonisti di Lincoln è venuta non solo da fonti storiche, ma anche dall’attualità. “La mia idea nell’interpretare il personaggio è che somigli molto ai politici dei giorni nostri. È interessato soltanto a mantenere viva la lotta perché, anche se negativamente, gli basta che la stampa continui a parlare di lui”.

 

Tra coloro il cui voto cambia all’ultimo momento, troviamo il membro del Congresso dell’Ohio Clay Hawkins, interpretato da Walton Goggins, noto per il ruolo in “The Shield” e “Justified”. Hawkins era un Democratico che non sosteneva lo schiavismo, ma riteneva fosse politicamente pericoloso votare il 13° Emendamento. Del suo dilemma Goggins dice: “Per alcuni era una questione di moralità, ma il mio personaggio rischiava la morte se avesse dato il suo voto. Ha preso in considerazione tutto quello che stava accadendo nel paese, forse anche la possibilità di un’offerta di pace da parte dei Confederati, ma sempre pensando alla propria sicurezza personale, poi alla fine ha fatto ciò che il suo cuore gli diceva fosse giusto”.

 

 

 

LINCOLN ha trasportato Steven Spielberg non solo in uno dei momenti più affascinanti della storia americana, ma anche in un territorio visivo nuovo, dove ha utilizzato uno stile al tempo stesso vivido e naturale, forte e minimalista. Ha compiuto questa scelta insieme alla famiglia di celebri artisti cinematografici con cui collabora da decenni, che comprende il direttore della fotografia Janusz Kaminski, il montatore Michael Kahn, lo scenografo Rick Carter, l’ideatrice dei costumi Joanna Johnston e il compositore John Williams. Sebbene ognuno di loro abbia ormai un proprio linguaggio collaudato con Spielberg, era chiaro che con LINCOLN tutto sarebbe stato decisamente diverso.

 

“Questa era una produzione molto intima e tranquilla, perché Steven l’ha focalizzata sulle parole e sulle interpretazioni”, osserva Kathleen Kennedy. “È stata un’esperienza più personale”.

 

Janusz Kaminski, che ha vinto l’Oscar® con “Salvate il soldato Ryan” (Saving Private Ryan) e “Schindler’s List”, ha individuato un linguaggio figurato potente ma onesto per una storia che spesso si focalizza sulla pura forza delle parole. “È una storia che chiede al pubblico di ascoltare veramente”, egli osserva. “Quindi, quando ho letto la sceneggiatura, ho subito iniziato ad avere delle idee su come catturare visivamente tutte le parole. Era chiaro sia a Steven sia a me che la fotografia avrebbe dovuto dare una sensazione di ritegno: dovevamo semplicemente fotografare il susseguirsi degli eventi nel modo migliore e più elegante, lasciando che il linguaggio e le interpretazioni fossero il cuore della narrazione”.

 

E aggiunge: “Ci interessava fare in modo che il pubblico scoprisse il Lincoln che non conosce. Il film mostra un Lincoln incerto, vulnerabile. Penso che l’allestimento scenico scelto da Steven, insieme alla semplicità del lavoro della macchina da presa, riflettano il lato più umano del Presidente”.

 

Kaminski voleva mostrare una sensibilità spoglia, ma voleva anche una texture e una palette che trasportassero gli spettatori in un mondo dall’aspetto non prettamente storico, più vicino alla realtà attuale. Come osserva Kathleen Kennedy: “Steven e Janusz hanno discusso a lungo riguardo all’uso del colore e della luce. Steven non voleva realizzare un film in bianco e nero né con l’effetto seppia; i due hanno invece optato per la saturazione del colore che offre alcune qualità del bianco e nero. Ci sono poi più di 145 ruoli parlati nel film, quindi era importante inquadrare ogni scena in modo che fossero i personaggi ad accompagnare il pubblico da un’inquadratura all’altra e non necessariamente la macchina da presa. Questo è stato qualcosa di abbastanza diverso per Steven”.

 

Sebbene Kaminski e Spielberg abbiano studiato attentamente una pletora di fotografie e dipinti storici, una volta sul set hanno preferito un approccio più istintivo. Si trattava di dare un senso di energia e forza ai momenti più calmi: ad esempio, quando Lincoln e Grant parlano in veranda mentre gruppi di soldati spettrali galoppano verso un destino ignoto; oppure, Lincoln fermo nella luce velata della finestra quando realizza che l’approvazione del 13° Emendamento ha posto fine alla schiavitù in America. “Steven non ha paura di un linguaggio figurato forte”, commenta Kaminski. “È disposto a usarlo nella sua narrazione”.

 

Alcune delle scene preferite di Kaminski si svolgono nella caotica Camera dei Rappresentanti. “Queste scene sono tutte incentrate sulle interpretazioni e sul confronto fra idee diverse. Vi sono alcune interessanti riprese con la dolly che caratterizzano la sensibilità visiva di Steven, ma tutto appare piuttosto sobrio e pacato”, egli spiega.

 

Queste scene hanno elettrizzato Kathleen Kennedy. “La macchina da presa non si muove mai in queste scene, a meno che non sia al servizio della narrazione. Steven si proponeva di mostrare le umane complessità e i meandri di un governo democratico, e, per dare agli spettatori il senso di come le discussioni andavano avanti, non poteva limitarsi a passare da un primo piano su un personaggio a un altro”, ella afferma. “Più di tutto, Steven voleva catturare l’evanescenza di ciò che accadeva nella battaglia politica”.

 

In tutte le riprese, Kaminski si è avvalso per l’illuminazione di un naturalismo tipico dell’epoca. “È il 1860 e il mondo di Lincoln è illuminato dal gas e dalle lampade a olio”, spiega il direttore della fotografia. “Abbiamo utilizzato molte fonti d’illuminazione disponibili, come la luce proveniente dalle finestre o le lampade, ma abbiamo anche creato fonti d’illuminazione per servire meglio la narrazione. Abbiamo poi usato il fumo, sia per dare al film una sfumatura malinconica sia perché gli ambienti in cui si trovava Lincoln ne erano solitamente pieni. C’erano persone che fumavano la pipa e il sigaro, e non vi erano sistemi di ventilazione, quindi le stanze avevano tutte un’atmosfera fumosa”.

 

Per Kaminski, LINCOLN rivela non solo un altro lato del Presidente americano, ma anche un lato nuovo del regista con il quale ha collaborato così tante volte. “Questo non è stato soltanto un altro film”, dichiara. “Nessuno dei film che ho girato con Steven è ‘soltanto un altro film’, ma LINCOLN ha qualcosa di particolarmente significativo. È un film interessante ma anche una storia di grande spessore”.

 

La fotografia di Kaminski si è mescolata fluidamente con il lavoro dello scenografo Rick Carter che, per simboleggiare una nazione che torna al suo punto di partenza, ha utilizzato la ex città confederata di Richmond, in Virginia, per ricreare la Washington D.C. del 1865 nel film.

 

Carter è stato profondamente commosso dal ritratto di Lincoln della sceneggiatura e ha capito da subito che avrebbe dovuto mantenere un difficile equilibrio nel suo lavoro scenografico. “L’opportunità e la sfida riguardavano il fatto che la storia è al tempo stesso grandiosa e intima”, egli commenta. “È incentrata prevalentemente sul mondo di Lincoln, il suo ufficio, il suo appartamento, le strade in cui camminava. La ricchezza di quel mondo doveva essere rappresentata in dettaglio e gli arredatori e io ci siamo dati molto da fare per rendere ogni momento il più reale possibile, ma con una connotazione espressionista”.

 

Come per la fotografia, il nucleo della sua idea è stato un’elegante semplicità. “Il film è disegnato con cura, ciò che si vede a Washington D.C. o sui campi di combattimento non allontana mai l’attenzione da ciò su cui si focalizza realmente: Lincoln, i suoi amici, la famiglia e i rivali politici”, dichiara Carter.

 

Inizialmente, Carter ha cercato una location rispondente alle diverse necessità del film. Ha viaggiato attraverso il Tennessee e la Virginia, compiendo un tour storico nei luoghi della Guerra Civile tuttora esistenti, per assorbire fin dentro le ossa la sensazione che ispiravano. Di tutte le possibili location, è stata Richmond, in Virginia, a catturarlo. Oltre a ciò, Carter era certo che gli edifici ben conservati della città sarebbero stati adatti per testimoniare la realtà del XIX secolo.

 

“A Richmond la storia è viva come in nessun altro luogo nel paese”, spiega lo scenografo. “La città esercita un forte richiamo, poiché rappresenta la versione aristocratica dell’America alla metà dell’800. Era il cuore dello scontro culturale che sfociò nella Guerra Civile e, in un certo senso, è un luogo che per Lincoln ha un forte significato. Springfield, in Illinois, è dove Lincoln è nato, ma Richmond è dove ha cambiato la nazione e l’ha unificata”.

 

Spielberg è stato felice della scelta fatta. “La città di Richmond ci ha spalancato le porte e aiutati a narrare la nostra storia”, dichiara. “C’è stato qualcosa di terapeutico nel poter raccontare la vicenda nel cuore dell’ex Confederazione”.

 

Doris Kearns Goodwin crede che Lincoln avrebbe apprezzato di vedere Washington, D.C. rappresentata nel centro del potere confederato. “Lincoln non sarebbe potuto essere più felice all’idea che un film su di lui ricevesse un’accoglienza tanto calorosa dalla città di Richmond”, ella spiega. “La città è perfetta, ha un aspetto da vecchia America. Il Parlamento di Richmond riesce a dare quella sensazione di atmosfera raccolta necessaria per un dibattito del Congresso”.

 

“Era più che ragionevole girare il film qui”, aggiunge Carter. “Ci sono i campi di battaglia, c’è la State House, che da alcune angolazioni richiama in modo sorprendente la Casa Bianca, vi sono residenze d’epoca a Petersburg ancora molto simili a com’erano, e abbiamo avuto carta bianca per girare ovunque, inclusa la residenza del Governatore”.

 

Individuare le location è stato piuttosto facile, ma era indispensabile riuscire a ricreare gli interni con le irregolarità e la vitalità che avrebbero dato al pubblico il senso tangibile dei tempi. In questo senso, uno dei set preferiti di Carter è stato quello dell’ufficio di Lincoln, in un’altra area rispetto alla zona in cui la famiglia viveva alla Casa Bianca. Lo hanno costruito lui e il suo team in modo artigianale, un pezzo alla volta. “Ho sempre pensato che l’ufficio di Lincoln dovesse essere il più simile possibile a come sappiamo che era”, egli afferma, “con colori e texture reali. Volevamo un livello di dettaglio tale — che si trattasse delle mappe delle battaglie, delle lettere sulla scrivania, dei quadri alle pareti o della carta da parati stessa — da ricreare esattamente l’originale. Ovviamente, le scenografie sono al servizio della narrazione, ma hanno anche la funzione di concretizzare il linguaggio figurato per far capire alla gente com’era trovarsi nella Casa Bianca di Lincoln”.

 

C’era qualcos’altro, oltre allo spirito dell’epoca, che Carter voleva trasmettere. “Le stanze in cui Lincoln è passato hanno un’atmosfera un po’ mesta e tormentata, quindi nel nostro lavoro c’è stata anche una sorta d’influenza impressionista”, egli osserva.

 

Il Capitol Building di Richmond, costruito nel 1788 e progettato in stile classico dal padre fondatore Thomas Jefferson, aveva la giusta atmosfera per rappresentare gli interni della Camera dei Rappresentanti. Sebbene gli spazi siano più contenuti rispetto a quelli della vera Camera a Washington, D.C., sono risultati particolarmente adatti. “Mi piace il modo in cui la Camera appare sovraffollata, dato che le interazioni tra i membri del Congresso sono molto intense”, spiega Carter. “Si ha una percezione reale degli attriti e del dibattito”.

 

Era indispensabile che il senso di realtà fosse evidente nel lavoro dell’ideatrice dei costumi Joanna Johnston, che ha riprodotto i vestiti ispirandosi a quelli veri dell’epoca. Per Sally Field il lavoro della Johnston è stato essenziale. “È un’artista incredibile, davvero”, dichiara la Field. “Quasi tutti i costumi di Mary sono repliche di capi di abbigliamento visibili nelle fotografie e nei dipinti, fino all’ultimo vestito indossato da Mary quando Lincoln sta morendo. Abbiamo lavorato a stretto contatto ed è stata una collaborazione straordinaria”.

 

Quanto a David Strathairn, ecco cosa dice riguardo al lavoro della Johnston: “Ci ha dato qualcosa di eccezionale, realizzando abiti uguali ai pezzi originali che sono giunti fino ai giorni nostri. Gli abiti ti fanno cambiare e, quando vedi che tutti intorno a te indossano lo stesso tipo di abbigliamento, vieni trasportato in un altro mondo, ti immergi realmente in quel passato”.

 

Rick Carter e Joanna Johnston hanno sviluppato una vera e propria sintonia tra il lavoro che ciascuno di loro stava realizzando. Spiega Kathleen Kennedy: “Joanna e Rick collaborano come due veri artisti, perché capiscono l’importanza della palette dei colori. I magnifici costumi indossati da Mary o Elizabeth Keckley, con i loro toni marrone scuro e prugna, rispecchiano la semplicità degli arredamenti ideati da Rick che, a loro volta, riflettono l’illuminazione predisposta da Janusz”.

 

Anche la truccatrice Lois Burwell ha effettuato alcune ricerche e si è immersa nei personaggi. Mentre lavorava con Daniel Day-Lewis, era cosciente del momento assai difficile che il Presidente Lincoln stava vivendo, e di quanto ciò dovesse trasparire dal suo volto. “È stato un momento veramente faticoso per Lincoln e, osservando le fotografie dell’epoca, è evidente il suo declino, come se stesse combattendo una battaglia in prima persona. Volevamo che quello stress trasparisse dal volto di Daniel, in modo da creare la visione che Steven aveva di Abraham Lincoln — la texture della pelle e l’espressione intensa — usando un trucco che non fosse d’intralcio alla recitazione”, riassume la truccatrice.

 

Day-Lewis si è poi fatto crescere i capelli, in modo da riprodurre la tipica acconciatura ondulata del Presidente, e la barba, anche se per questa è stato necessario ricorrere a una leggera tintura per adattarla al suo volto così da replicare al meglio quella che abbiamo visto nelle più celebri fotografie di Lincoln. Infine, la Burwell è riuscita a condensare un processo che avrebbe potuto richiedere fino a tre ore in un’efficiente ora e un quarto. La truccatrice afferma che ciò è stato possibile grazie a Day-Lewis, che era totalmente immerso nel ruolo. “Per quanto sia abile una truccatrice, il trucco sembrerà soltanto dipinto sul volto, se l’attore non se ne appropria”, ella afferma. “Daniel è stato di grande aiuto per il trucco e il nostro è stato un vero e proprio lavoro di squadra”.

 

Nel frattempo, la Burwell ha ingaggiato diversi esperti in parrucche, che hanno avuto il loro da fare per stare al passo con ciocche di capelli, barbe, baffi, basette e favoriti. Forse la parrucca più importante di tutte è quella di Thaddeus Stevens, che lui portava essendo diventato calvo a causa di una malattia. Sebbene gli sia stata proposta una calotta calva, Tommy Lee Jones ha scelto di radersi la testa per avvicinarsi ulteriormente all’immagine del vero Stevens in un particolare momento rivelatore.

 

Tutta quest’attenzione per i dettagli ha cominciato a dare i suoi frutti quando Spielberg si è chiuso nella sala di montaggio insieme al socio di vecchia data, nonché vincitore dell’Oscar® e responsabile del montaggio, Michael Kahn. Per Kahn il compito più importante in LINCOLN era di trovare un ritmo organico, in linea con la tranquilla ma crescente forza emotiva del film. “Non volevamo nulla di affrettato, perché in questo film il pubblico deve ascoltare attentamente e capire”, egli dichiara. “Ci siamo focalizzati sui momenti che danno agli spettatori il tempo di osservare con attenzione i personaggi e assimilare ciò che dicono. E con il cast scelto per il film, è un vero piacere fare questo lavoro”.

 

Intrecciare le sequenze in una narrazione fluida è stato uno dei compiti più intensi per i due collaboratori. “Steven era combattuto su cosa mantenere e cosa scartare. Abbiamo dovuto prendere alcune decisioni importanti, perché vi era un’infinità di implicazioni psicologiche e politiche e ci domandavamo costantemente: questa scena avrà un’eco più avanti? È stato un processo complesso”, commenta Kahn.

 

Alla fine, Kahn crede che LINCOLN sia diverso dagli altri film di Spielberg. “Steven ammette di non avere mai realizzato un film con così tanto dialogo, in cui ogni frase conta. Sapevamo di dover essere perfetti con le emozioni”, spiega Khan. “Penso sia uno dei migliori film che abbia realizzato. Ha preso dei personaggi di cui abbiamo letto nei libri di storia e li ha fatti vivere. S’impara molto sull’America, sulla democrazia e su quello straordinario essere umano che è stato Lincoln”.

 

Questi elementi si riflettono anche nella colonna sonora di John Williams, una novità per il compositore americano che ha ricevuto un record di quarantasette candidature agli Oscar®, vincendone cinque, nel corso di una carriera all’insegna di musiche indimenticabili. “Per me questa è stata un’esperienza molto diversa dalle mie precedenti collaborazioni con Steven”, afferma Williams. “LINCOLN è più che altro un affresco musicale, poiché comprende molti temi distintivi che non si sovrappongono. Anche per quanto riguarda la struttura musicale e le orchestrazioni, è stata un’esperienza piuttosto diversa. La colonna sonora è tranquilla, con numerose variazioni, ma anche alcune sonorità più ampie e nobili”.

 

Williams ha iniziato con quello che era il brano più complesso di tutti: la musica che accompagna il discorso di Lincoln dopo la sua rielezione, letto da Daniel Day-Lewis. “La difficoltà era di trovare qualcosa di adatto per accompagnare quelle parole importanti”, spiega il musicista. “Ho iniziato con una sorta di inno e poi ho continuato a limarlo e rifinirlo per trovare la semplicità necessaria a sostenere le parole di Daniel, che di per sé sono un grande lavoro artistico”.

 

L’intera colonna sonora è caratterizzata da una semplicità molto potente. In un’altra sequenza chiave, quando Lincoln cavalca attraverso City Point, in Virginia, in un campo gremito di cadaveri di giovani soldati, Williams ha optato per un assolo di pianoforte. “Non volevamo sottolineare la presenza dei corpi, ma solo suggerire un sentimento di rispetto e un momento di riflessione su una tragedia in corso, come anche le difficoltà nel cercare di mettere a posto le cose negli affari umani”, egli commenta.

 

In altre parti del film, la musica cambia seguendo l’onda del momento. Quando la lobby di Seward si mette all’opera per cercare di procurarsi voti, Williams introduce un ritmo country eseguito da violini; quando i primi afro-americani entrano nella Camera dei Rappresentanti, la scena è sottolineata da un’orchestrazione dai toni più lirici.

 

Per marcare la diversità nelle musiche, Williams ha voluto avvalersi di un’orchestra con la quale desiderava collaborare da molti anni: la celebre Chicago Symphony Orchestra, di cui Williams è stato occasionalmente direttore d’orchestra. “È una delle maggiori orchestre americane e ho sempre detto a Steven che un giorno o l’altro avremmo dovuto fare qualcosa con loro. Quando abbiamo iniziato a lavorare su Lincoln, Steven mi ha detto: ‘Non sarebbe l’occasione giusta per chiamare la Chicago Symphony?’. Non solo l’Illinois è lo stato in cui Lincoln è nato, ma Chicago è il centro della nazione, e penso che a Steven sia piaciuta l’idea di trarre in qualche modo energia dal cuore della nazione e portarla nel nostro film”.

 

Spielberg riassume: “Ho sempre creduto che analizzare il passato aiuti a definire il presente e a capire verso dove vogliamo andare. In questo senso, penso che LINCOLN sia in questo momento più importante che mai. La sua presidenza rappresenta un nitido modello di leadership. Egli era favorevole a cose che per noi sono più importanti che mai, ora. Si è battuto per l’idea che la sopravvivenza della democrazia richieda equità, compassione, rispetto e tolleranza. E a volte un buon senso dell’umorismo. Questa è l’anima di Lincoln”.

 

 

Fin dai suoi primi ruoli, il premio Oscar DANIEL DAY-LEWIS(Presidente Abraham Lincoln) ha colpito sia il pubblico sia la critica, passando dal personaggio di un operaio punk in “My Beautiful Laundrette” al frivolo spasimante vittoriano in “Camera con vista” (A Room with a View) di Merchant Ivory. Queste due interpretazioni gli sono valse nel 1986 il premio del New York Film Critics Circle come miglior attore non protagonista, dando il via a una lunga serie di riconoscimenti, tra cui due Academy Award® come miglior attore, tre BAFTA come miglior attore e un Golden Globe® come miglior attore. Day-Lewis ha anche vinto lo Screen Actors Guild Award® due volte, il New York Critics Circle Award quattro volte e il Los Angeles Film Critics Association Award tre volte.

 

Sebbene Day-Lewis abbia continuato a recitare un ruolo dopo l’altro e ad essere elogiato, è stato il suo ruolo di scrittore, artista e malato di paralisi cerebrale Christy Brown ne “Il mio piede sinistro” (My Left Foot) del regista Jim Sheridan, a fargli vincere il suo primo Academy Award® come miglior attore. Ha ricevuto la sua seconda candidatura agli Academy Award® per “Nel nome del padre” (In the Name of the Father), sua seconda collaborazione con Sheridan, che è la vera storia di un uomo ingiustamente arrestato per quindici anni, e poi la terza per il ritratto di Bill the Butcher in “Gangs of New York” di Martin Scorsese. Nel 2008 Day-Lewis ha vinto il secondo Academy Award® come miglior attore nel ruolo del ricercatore petrolifero Daniel Plainview nel film di Paul Thomas Anderson “Il petroliere” (There Will Be Blood). Tra i suoi altri poliedrici ruoli troviamo l’avventuriero Hawkeye ne “L’ultimo dei Mohicani” (The Last of the Mohicans) e l’aristocratico Newland Archer nella sua prima collaborazione con Martin Scorsese, “L’età dell’innocenza” (The Age of Innocence).

 

Nato a Londra (ma cittadino irlandese), Day-Lewis ha iniziato a recitare quando frequentava la scuola nel Kent, in Inghilterra. Ha esordito come attore in “Cry, the Beloved Country” e ha poi debuttato sul grande schermo a quattordici anni in “Domenica maledetta domenica” (Sunday Bloody Sunday), in cui interpreta un vandalo in un ruolo non accreditato. In seguito, ha fatto domanda ed è stato accettato alla rinomata Bristol Old Vic Theatre School, che ha frequentato per tre anni, esibendosi poi al Bristol Old Vic. Negli anni ’70 e nei primi anni ’80 ha lavorato a teatro, con la Bristol Old Vic Theater Company, la Royal Shakespeare Company e il Royal National Theater, recitando in “Another Country”, “Dracula”, “Futurists” e “Amleto”, in cui ha interpretato il protagonista.

 

La sua filmografia comprende la versione cinematografica di Philip Kaufman de “L’insostenibile leggerezza dell’essere” (The Unbearable Lightness of Being), in cui è stato elogiato per l’indimenticabile ruolo del protagonista, e il classico di Arthur Miller “La seduzione del male” (The Crucible), in cui è John Proctor al fianco di Winona Ryder, per la regia di Nicholas Hytner. È tornato a lavorare con Jim Sheridan interpretando il protagonista di “The Boxer” e ha poi preso parte al film intenso e poetico di Rebecca Miller “La storia di Jack e Rose” (The Ballad of Jack and Rose). Nel 2009 ha recitato nell’adattamento cinematografico di Rob Marshall del musical di successo in scena a Broadway “Nine”, insieme a Judi Dench, Nicole Kidman, Penélope Cruz, Marion Cotillard e Kate Hudson.

SALLY FIELD (Mary Todd Lincoln) ha vinto due Academy Award® per “Le stagioni del cuore” (Places in the Heart) di Robert Benton, che le è anche valso un Golden Globe®,e “Norma Rae” di Martin Ritt, grazie al quale ha ottenuto un Golden Globe, oltre che il premio del New York Film Critics Circle, il National Board of Review Award, il Los Angeles Film Critics Association Award, il riconoscimento della National Society of Film Critics e il premio come migliore attrice al Festival del cinema di Cannes. La Field è anche stata candidata ai Golden Globe per “Il bandito e la madama” (Smokey and the Bandit), “Diritto di cronaca” (Absence of Malice), “C’è… un fantasma tra noi due” (Kiss Me Goodbye), “Fiori d’acciaio” (Steel Magnolias) e “Forrest Gump”. Nella sua numerosa filmografia troviamo anche “La prossima vittima” (Eye for an Eye), “Mrs. Doubtfire – Mammo per sempre”, “Bolle di sapone” (Soapdish), “Mai senza mia figlia” (Not Without My Daughter), “La fine… della fine” (The End), “Collo d’acciaio” (Hooper), “Un autentico campione” (Stay Hungry),il suo primo ruolo cinematografico importante, oltre a “L’ultima battuta” (Punchline) e “L’amore di Murphy” (Murphy’s Romance), entrambi prodotti dalla sua società di produzioni, la Fogwood Films.

 

Nata a Pasadena, in California, in una famiglia che lavorava nello show business, la Field ha iniziato a lavorare nel 1964, nella serie televisiva “Gidget”. Ha poi recitato in “The Flying Nun” nel 1967. A venticinque anni aveva già preso parte a tre serie televisive. Ha vinto un Emmy® Award per il ruolo di protagonista nella celebre miniserie “Sybil” e per l’interpretazione in “ER – Medici in prima linea”. È anche stata candidata agli Emmy per il ruolo in “A Cooler Climate” della Showtime e nella miniserie della NBC “A Woman of Independent Means”, che ha co-prodotto e per la quale è stata candidata ai Golden Globe®. Ha recitato nella serie della ABC “Brothers & Sisters” dal 2006 al 2011, e per il ruolo di Nora Walker ha vinto uno Screen Actors Guild Award® e un Emmy Award, oltre a ricevere due candidature ai Golden Globe.

 

La Field ha debuttato alla regia nel 1996 con il telefilm della ABC “The Christmas Tree”, di cui è stata co-autrice e in cui ha recitato Julie Harris. Ha diretto un episodio della miniserie della HBO “From the Earth to the Moon” e nel 2000 ha esordito alla regia cinematografica con “Beautiful”, interpretato da Minnie Driver.

 

Nel 2002 ha debuttato a Broadway in “The Goat, or Who Is Sylvia?” di Edward Albee e nel 2004 ha ricevuto recensioni entusiastiche per il ruolo di Amanda ne “Lo zoo di vetro” (The Glass Menagerie) di Tennessee Williams al Kennedy Center.

 

Più di recente, è apparsa nel ruolo di zia May in “The Amazing Spider-Man”, distribuito a luglio di quest’anno.

 

La Field è membro del Consiglio di amministrazione della Vital Voices dal 2002. È stata Maestra di cerimonie al gala dei Vital Voices Global Leadership Award che si sono svolti al Kennedy Center dal 2002 al 2011. È anche stata nel Consiglio di amministrazione del Sundance Institute dal 1995 al 2010.

 

Sally ha tre figli e quattro nipoti.

 

 

DAVID STRATHAIRN (William Seward) ha vinto la Coppa Volpi al Festival del cinema di Venezia ed è stato candidato agli Academy® Award, ai Golden Globe®, allo Screen Actors Guild®, ai BAFTA e agli Independent Spirit Award per l’irresistibile ritratto del leggendario giornalista e anchorman della CBS Edward R. Murrow nel film drammatico candidato all’Oscar® di George Clooney “Good Night, and Good Luck”. Ha vinto un Emmy® come miglior attore non protagonista nel progetto della HBO “Temple Grandin – Una donna straordinaria” nel 2011 ed è stato candidato nuovamente quest’anno per il ritratto di John Dos Passos in “Hemingway & Gellhorn” della HBO.

 

La sua candidatura nel 2005 agli Independent Spirit Award è stata la quarta in una carriera brillante che risale al 1980, anno in cui ha esordito nel primo film di John Sayles “Return of the Secaucus 7”. In seguito, Strathairn ha collaborato con Sayles in altri sette film, vincendo l’Independent Spirit Award come miglior attore non protagonista con “La città della speranza” (City of Hope), raccogliendo nel frattempo altre due candidature per “Amori e amicizie” (Passion Fish) e “Limbo”.

 

Strathairn ha avuto una carriera molto ricca, con ruoli in numerosi film acclamati: l’esordio alla regia di Tim Robbins “Bob Roberts”; “Ragazze vincenti” (A League of Their Own) di Penny Marshall; “Lontano da Isaiah” (Losing Isaiah); “Il socio” (The Firm) di Sydney Pollack; “I signori della truffa” (Sneakers); l’adattamento di Taylor Hackford del romanzo di Stephen King “L’ultima eclissi” (Dolores Claiborne); “A casa per le vacanze” (Home for the Holidays) di Jodie Foster; infine, due progetti con Curtis Hanson, “The River Wild – Il fiume della paura” e il vincitore dell’Oscar® “L.A. Confidential”, in cui ha condiviso una candidatura agli Screen Actors Guild Award® con gli altri membri del cast stellare. La sua filmografia annovera anche “Memphis Belle”, “La mappa del mondo” (A Map of the World), “Simon Birch”, “Proibito amare” (Lost in Yonkers), “Missing in America”, l’adattamento di Michael Hoffman di “Sogno di una notte di mezza estate” (A Midsummer Night’s Dream), “La tela dell’assassino” (Twisted) di Philip Kaufman, “The Bourne Ultimatum – Il ritorno dello sciacallo” diretto da Paul Greengrass e “The Tempest” al fianco di Helen Mirren.

 

Strathairn è al momento in scena a Broadway al fianco di Jessica Chastain nella commedia “The Heiress”.

 

 

JOSEPH GORDON-LEVITT (Robert Lincoln) ha recitato ne “Il cavaliere oscuro – Il ritorno” (The Dark Knight Rises), terzo e ultimo episodio della serie “Batman” di Christopher Nolan, distribuito lo scorso 20 luglio 2012. Contemporaneamente, ha preso parte ad altri due film: “Looper – In fuga dal passato”, in cui è tornato a lavorare con il regista di “Brick – Dose mortale” Rian Johnson, e il thriller d’azione “Senza freni – Premium Rush”, diretto da David Koepp. Recentemente, ha ultimato il suo esordio alla regia, “Don Jon’s Addiction”, da una sceneggiatura da lui scritta, in cui recita al fianco di Scarlett Johansson e Julianne Moore.

 

La sua filmografia comprende anche “50 e 50” (50/50), diretto da Jonathan Levine e interpretato da Seth Rogen, Anna Kendrick e Bryce Dallas Howard, che gli è valso una candidatura ai Golden Globe®; il film drammatico di Christopher Nolan candidato agli Academy Award® “Inception”, interpretato da Leonardo DiCaprio, Marion Cotillard e Ellen Page; “Hesher è stato qui!” (Hesher) del regista Spencer Susser con Natalie Portman e Rainn Wilson (Sundance Film Festival, 2010); “(500) giorni insieme” [(500) Days of Summer] di Marc Webb, interpretato anche da Zooey Deschanel, che gli è valso una candidatura ai Golden Globe, agli Independent Spirit Award e ai People’s Choice Award; il film d’azione “G.I. Joe: La nascita dei cobra” (G.I. Joe: The Rise of Cobra) del regista Stephen Sommers; il film drammatico sulla seconda Guerra mondiale di Spike Lee “Miracolo a Sant’Anna” (Miracle at St. Anna); il controverso dramma “Stop-Loss”, in cui ha recitato con Ryan Phillippe per la regia di Kimberly Peirce; infine, il drammatico “Sguardo nel vuoto” (The Lookout) che ha segnato il debutto alla regia di Scott Frank. Oltre a ciò, Gordon-Levitt è stato elogiato per le interpretazioni nei film indipendenti di John Madden “Killshot” conDiane Lane e Mickey Rourke; “Shadowboxer” di Lee Daniels; il premiato debutto alla regia di Rian Johnson “Brick – Dose mortale”; “Mysterious Skin” per l’autore/regista Gregg Araki; infine, “Manic” con Don Cheadle.

 

All’inizio della carriera Gordon-Levitt ha vinto uno Young Artist Award per il suo primo ruolo importante nel film drammatico di Robert Redford “In mezzo scorre il fiume” (A River Runs Through It). Ha anche recitato in “Angels” (Angels in the Outfield), “Il giurato” (The Juror), “Halloween: 20 anni dopo” (Halloween H20: 20 Years Later) e “10 cose che odio di te” (10 Things I Hate About You).

 

Gordon-Levitt è noto al pubblico televisivo per il ruolo interpretato nella premiata serie brillante della NBC “Una famiglia del terzo tipo” (3^rd Rock From the Sun). Durante i sei anni trascorsi nel programma, ha vinto due YoungStar Award e ha condiviso una candidatura agli Screen Actors Guild Award^® per la migliore interpretazione corale in una serie brillante. Dopo la serie, si è preso una breve pausa per frequentare la Columbia University.

 

Gordon-Levitt ha fondato e dirige una società di produzioni collettive chiamata hitRECord.org, che comprende una comunità online di migliaia di artisti da tutto il mondo. La società ha presentato alcuni cortometraggi e spettacoli dal vivo in occasione del Sundance e del South by Southwest Film Festival, è andato in tournée in alcuni dei maggiori college nazionali, ha scritto Tiny Book of Tiny Stories (pubblicato da HarperCollins a dicembre 2011) e ha distribuito un DVD/libro/CD intitolato RECollection: Volume 1. 

 

Gordon-Levitt, che è un promettente autore/regista, ha adattato il racconto di Elmore Leonard “Sparks” in un cortometraggio di 24 minuti, proiettato al Sundance nel 2009.

 

 

JAMES SPADER (W.N. Bilbo), attore con un gusto spiccato tutto quanto c’è di estremo, si è costruito una carriera esplorando il lato più oscuro della natura umana. Per il film di Steven Soderbergh “Sesso, bugie e videotape” (sex, lies, and videotape), ha vinto l’ambìto premio come miglior attore al Festival del cinema di Cannes e, lavorando al fianco di Albert Brooks, Helen Mirren e Jeffrey Wright in “Se mi amate” (Critical Care) di Sidney Lumet, ha interpretato un medico alle prese con le ipocrisie e l’avidità che sono il cuore del sistema ospedaliero. In uno dei suoi ruoli più controversi, Spader ha recitato in “Crash” di David Cronenberg, in cui, a seguito di un incidente automobilistico, il suo personaggio si risveglia con un’inaspettata carica di sensualità. Adattato dal romanzo classico cult di J.G. Ballard, “Crash” ha ricevuto il premio speciale della giuria al Festival del cinema di Cannes.

 

Spader è anche apparso insieme a Maggie Gyllenhaal nell’acclamato film “Secretary”. Diretto da Steven Shainberg e tratto dal racconto di Mary Gaitskill Bad Behavior, il film della Lions Gate Films ha vinto il Premio speciale della giuria al Sundance Film Festival.

 

Altri titoli che arricchiscono la sua filmografia sono “Due giorni senza respiro” (2 Days in the Valley) di John Herzfeld, al fianco di Charlize Theron; “Stargate” di Roland Emmerich, con Kurt Russell; “Wolf – La belva è fuori” di Mike Nichols, con Jack Nicholson e Michelle Pfeiffer; “Calda emozione” (White Palace) di Luis Mandoki, al fianco di Susan Sarandon; “La musica del caso” (The Music of Chance), tratto dal romanzo di Paul Auster; la satira politica di Tim Robbins “Bob Roberts”; infine, “Cattive compagnie” (Bad Influence) di Curtis Hanson. Spader ha anche preso parte al corto di Robert Rodriguez “Il mistero della pietra magica” (Shorts).

 

Sul piccolo schermo Spader ha attratto l’attenzione del pubblico e dei critici con il suo ritratto dell’avvocato spregiudicato Alan Shore, nella lunga serie della ABC “The Practice – Professione avvocati”. Ha vinto uno dopo l‘altro l’Emmy® Award come miglior attore in una serie drammatica nel 2004 e 2005, per “The Practice – Professione avvocati” e “Boston Legal” — un caso senza precedenti nella storia degli Emmy. Ne ha anche vinto un terzo nel 2007 per “Boston Legal”.

 

Recentemente, Spader è apparso in televisione nella serie brillante della NBC “The Office”, in cui interpreta Robert California. A Broadway, nella stagione 2009-2010, il versatile attore ha recitato nell’allestimento originale di “Race”, la commedia provocatoria scritta e diretta da David Mamet.

 

L’attore candidato agli Academy Award® HAL HOLBROOK (Preston Blair) è nato a Cleveland nel 1925, ma è cresciuto a South Weymouth, nel Massachusetts. A dodici anni è entrato alla Culver Military Academy dove ha scoperto la recitazione.

 

Nell’estate del 1942 ha ottenuto il suo primo incarico retribuito interpretando il figlio in “The Man Who Came to Dinner” al Cain Park Theater di Cleveland. Quell’autunno è entrato alla Denison University dell’Ohio, diplomandosi in teatro sotto la guida del suo mentore di vecchia data, Edward A. Wright.

 

È celebre la sua caratterizzazione di Mark Twain nell’ambito di un progetto interno della Denison University. Holbrook e la sua prima moglie, Ruby, hanno allestito uno show a due, interpretando alcuni personaggi da Shakespeare a Twain. La sua prima interpretazione da solo nel ruolo di Mark Twain è stata al Lock Haven State Teachers College in Pennsylvania nel 1954.

 

Lo stesso anno la fortuna lo ha baciato attraverso un lavoro regolare in una soap opera trasmessa in fascia diurna, “The Brighter Day”, a cui si è aggiunto l’anno successivo nuovamente il ruolo di Twain in un nightclub del Greenwich Village. Nel corso di sette mesi al club, ha messo a punto un programma originale di due ore e ha perfezionato i tempi della commedia. Infine, Ed Sullivan lo ha visto e ha dato al suo Twain visibilità televisiva nazionale.

 

Nel 1959, dopo cinque anni di ricerche su Mark Twain e affinando il materiale che aveva raccolto, ha iniziato ad esibirsi in numerose piccole città in giro per l’America, fino ad approdare in un piccolo teatro off-Broadway a New York, dove il suo spettacolo ha riscosso un successo straordinario.

 

A quel punto, Holbrook ha lasciato la soap opera e, dopo che il suo spettacolo era stato replicato per ventidue settimane a New York, è andato in tournée nel paese, si è esibito per il Presidente Eisenhower e al Festival internazionale di Edimburgo. Il Dipartimento di Stato gli ha organizzato una tournée in Europa e così Holbrook è stato il primo attore drammatico americano a superare la Cortina di Ferro dopo la conclusione della seconda Guerra mondiale.

 

Sulle scene teatrali ha interpretato Hotspur in “Enrico IV Parte prima” (Henry IV, Part I) allo Shakespeare Festival Theater di Stratford, nel Connecticut, poi Lincoln in “Abe Lincoln in Illinois” nell’off-Broadway. Nel 1963 è entrato a far parte della Lincoln Center Repertory Company di New York ed è apparso in “Marco Millions”, “After the Fall”, “Incident at Vichy” e “Tartuffe”. Altri ruoli interpretati a Broadway comprendono “Lo zoo di vetro” (The Glass Menagerie), “The Apple Tree”, “I Never Sang for My Father”, “Man of La Mancha” e “Does a Tiger Wear a Necktie?” con il giovane Al Pacino.

 

Nel frattempo, ha continuato a interpretare Mark Twain ogni anno e nel 1966, a Broadway, ha vinto un Tony® Award e un New York Drama Critics’ Circle Award, seguiti nel 1967 da uno special televisivo di novanta minuti per la CBS intitolato “Mark Twain Tonight!”, candidato a un Emmy® Award.

 

Nel 1970, dopo una dozzina di rappresentazioni teatrali a New York, è stato chiamato a Hollywood per partecipare a una controversa serie televisiva, “The Senator”, che ha vinto otto Emmy® Award. Nei quarantadue anni successivi, Holbrook ha preso parte a circa cinquanta film e miniserie per la televisione, è stato candidato a dodici Emmy e ne ha vinti cinque con “The Senator” (1971), ha recitato in “Pueblo” (1974), ha vinto il Premio per il miglior attore dell’anno (1974), ha recitato in “Lincoln” (1976) di Sandburg e ha partecipato come narratore a “Portrait of America” (1989). Ha preso parte a due sitcom, “Quattro donne in carriera” (Designing Women) e “Evening Shade”, ed è stato guest star in “West Wing”, “Becker”, “Hope & Faith”, “I Soprano” (The Sopranos), “NCIS”, “ER – Medici in prima linea”, “Sons of Anarchy” e “The Event”.

 

La carriera cinematografica di Holbrook è iniziata con “Il gruppo e le sue passioni” (The Group) nel 1966. Da allora, il pubblico lo ha visto in più di quaranta film, inclusi “Una 44 magnum per l’ispettore Callaghan” (Magnum Force), “La battaglia di Midway” (Midway), “Tutti gli uomini del Presidente” (All the President’s Men), “Capricorn One”, “The Fog”, “Creepshow”, “Wall Street”, “Il socio” (The Firm), “Men of Honor – L’onore degli uomini”, “The Majestic”, “Into the Wild – Nelle terre selvagge”, che gli è valso una candidatura agli Academy Award®, “That Evening Sun”, “Flying Lessons” (proiettato in anteprima al Santa Barbara International Film Festival nel 2010), “Good Day For It” (anteprima al Sonoma International Film Festival nel 2011) e “Come l’acqua per gli elefanti” (Water for Elephants). Recentemente, ha ultimato le riprese di “Promised Land” che sarà distribuito negli Usa all’inizio del 2013.

 

Durante la sua lunga carriera, Holbrook ha continuato a interpretare Mark Twain ogni anno ed è stato in tournée mondiale nel 1985, 150° anniversario della nascita di Mark Twain, iniziando a Londra e terminando a Nuova Delhi. Nel corso degli anni ha continuato ad esibirsi a teatro: a New York in “Buried Inside Extra” (1983), “The Country Girl” (1984), “Re Lear” (King Lear) nel 1990 e “An American Daughter” (1997); nei teatri regionali in “Our Town”, “Zio Vanja” (Uncle Vanya), “Il mercante di Venezia” (Merchant of Venice), “Be My Baby”, “Southern Comforts” (questi ultimi due con la moglie Dixie Carter) e una tournée nazionale di “Morte di un commesso viaggiatore” (Death of a Salesman).

 

Holbrook ha ricevuto una laurea onoraria in discipline umanistiche dalla Ohio State University e dalla University of Hartford; una laurea onoraria in lettere dall’Ursinus College; una laurea onoraria in lettere dall’Elmira College; e una laurea onoraria in belle arti dalla Kenyon e dall’università che ha frequentato, la Denison University. Nel 1996 ha vinto l’Edwin Booth Award e nel 1998 il William Shakespeare Award della Shakespeare Theatre Company di Washington, D.C.; nel 2000 è entrato a far parte della Theatre Hall of Fame di New York; nel 2003 ha ricevuto la National Humanities Medal dal Presidente; infine, nel 2010, ha ricevuto una medaglia dall’American Academy of Arts and Letters.

 

A settembre 2011 è stato pubblicato Harold, il primo di due volumi di memorie di Holbrook. L’attore sta lavorando al secondo volume, che copre gli anni successivi al periodo illustrato in Harold.

 

Holbrook vive tra Los Angeles e il Tennessee; ha avuto cinque figli dalla defunta moglie, l’attrice e cantante Dixie Carter.                                     

 

 

TOMMY LEE JONES (Thaddeus Stevens),uno degli attori più acclamati e celebri di Hollywood, e vincitore di un Academy Award®, riesce a caratterizzare in modo distintivo i personaggi di ogni suo film.

 

L’attore ha esordito in “Love Story” e, nell’arco di una carriera che copre quattro decenni, ha partecipato a film quali “Gli occhi di Laura Mars” (Eyes of Laura Mars), “La ragazza di Nashville” (Coal Miner’s Daughter), che gli è valso la sua prima candidatura ai Golden Globe®, “Stormy Monday – Lunedì di tempesta”, “Uccidete la colomba bianca” (The Package), “JFK – Un caso ancora aperto”, “Trappola in alto mare” (Under Siege), “Il fuggitivo” (The Fugitive), “Tra cielo e terra” (Heaven & Earth), “Il cliente” (The Client), “Assassini nati” (Natural Born Killers), “Blue Sky”, “Cobb”, “Batman Forever”, “Men in Black”, “U.S. Marshals – Caccia senza tregua”, “Colpevole d’innocenza” (Double Jeopardy), “Regole d’onore” (Rules of Engagement) “Space Cowboys”, “Men in Black 2”, “The Hunted – La preda”, “The Missing”, “Le tre sepolture” (The Three Burials of Melquiades Estrada), “Radio America” (A Prairie Home Companion), “In the Electric Mist – L’occhio del ciclone”, “The Company Men” e “Capitan America – Il primo vendicatore” (Captain America: The First Avenger).

 

Ha vinto l’Oscar® come miglior attore non protagonista per il ritratto dell’intransigente agente federale Samuel Gerard nel film di successo “Il fuggitivo” nel 1994. Per la sua interpretazione ha anche ricevuto un Golden Globe Award® come miglior attore non protagonista. Tre anni prima, Jones aveva ottenuto la sua prima candidatura agli Oscar per il ritratto di Clay Shaw in “JFK – Un caso ancora aperto” di Oliver Stone.

 

Nel 2007 Jones ha recitato nell’acclamato film “Nella valle di Elah” (In the Valley of Elah), che gli è valso una candidatura agli Oscar® come miglior attore, e lo stesso anno ha recitato nel film premiato con un Academy Award® “Non è un paese per vecchi” (No Country for Old Men), scritto e diretto da Joel ed Ethan Coen, e tratto dal romanzo di Cormac McCarthy. 

 

Quest’anno ha ripreso il ruolo dell’agente K in “Men in Black 3” e ha recitato con Meryl Streep ne “Il matrimonio che vorrei” (Hope Springs).

 

L’attore ha di recente ultimato le riprese di “Emperor” del regista Peter Webber, girato in esterni in Nuova Zelanda, in cui interpreta il Generale Douglas MacArthur. Il film è stato proiettato in anteprima quest’anno al Toronto International Film Festival. Inoltre, ha recitato in “Malavita” in Francia per il regista Luc Besson.

 

Nel 1995 Jones ha debuttato alla regia con l’acclamato telefilm, tratto dal romanzo di Elmer Kelton, “The Good Old Boys”, per la TNT. Vi hanno recitato Sissy Spacek, Sam Shepard, Frances McDormand e Matt Damon. Per il ritratto di Hewey Calloway, è stato candidato a uno Screen Actors Guild Award® e a un CableACE Award.

 

Nel 2005 ha recitato nell’acclamato film “Le tre sepolture”, che ha anche diretto e prodotto. Il film, che parla di amicizia e omicidi lungo il confine tra Texas e Messico, ha debuttato in concorso al Festival del cinema di Cannes nel 2005 e ha fatto vincere a Jones il premio come miglior attore e a Guillermo Arriaga il premio per la migliore sceneggiatura. 

 

L’attore ha diretto “The Sunset Limited” per la HBO. Questo telefilm, che ha esordito a febbraio 2011, è tratto dall’omonima commedia di Cormac McCarthy ed è stato interpretato dallo stesso Jones e da Samuel L. Jackson.

 

Il prossimo film di cui sarà regista è “The Homesman”, storia di una pioniera e di un uomo che si è appropriato illegalmente di un terreno minerario, che, sfidando gli elementi, conducono tre donne mentalmente disturbate in un’odissea dal Nebraska all’Iowa.

 

Jones ha riscosso un notevole successo anche sul piccolo schermo. Nel 1983 ha vinto l’Emmy® Award come miglior attore in una serie o special per il ritratto di Gary Gilmore ne “L’esecuzione” (The Executioner’s Song) e, nel 1989, è stato candidato a un Emmy Award e a un Golden Globe® come miglior attore in una miniserie o special per “Lonesome Dove”.

 

Ha interpretato il protagonista in “The Amazing Howard Hughes”, ha preso parte all’allestimento dell’American Playhouse de “La gatta sul tetto che scotta” (Cat on a Hot Tin Roof), ha recitato in “The Rainmaker” per la HBO, ha partecipato all’allestimento della HBO/BBC di “The Secret – L’ultima spia” (Yuri Nosenko, KGB) e a “April Morning”.

 

Nel 1969 ha debuttato a Broadway in “A Patriot for Me” di John Osborne. Altre sue apparizioni a Broadway sono state in “Four on a Garden” con Carol Channing e Sid Caesar, e “Ulysses in Nighttown”, con il defunto Zero Mostel.

 

Nato a San Saba, in Texas, Jones ha lavorato per un breve periodo con il padre nel settore petrolifero, prima di frequentare la St. Mark’s School of Texas e poi la Harvard University, dove si è laureato con lode in lingua inglese.

 

 

 

STEVEN SPIELBERG (regista/produttore), uno dei registi di maggiore successo e più influenti dell’industria cinematografica, è uno dei soci dei DreamWorks Studios. La società è stata costituita nel 2009, e Spielberg e Stacey Snider la dirigono in partnership con il Reliance Anil Dhirubhai Ambani Group.

 

Spielberg è anche il regista che, complessivamente, ha realizzato i maggiori incassi di tutti i tempi, avendo diretto alcuni fra i maggiori blockbuster come “Lo squalo” (Jaws), “E.T. l’extra-terrestre” (E.T. The Extra-Terrestrial), la serie di “Indiana Jones” e “Jurassic Park”. Ha ottenuto un’infinità di riconoscimenti e vinto tre volte l’Academy Award^®.

 

Il regista ha ottenuto i primi due Oscar^®, per il miglior regista e il miglior film, con il successo internazionale “Schindler’s List”, che ha ricevuto un totale di sette Oscar^â. Il film è stato definito il Miglior Film del 1993 da molte associazioni di critici e ha vinto sette BAFTA e tre Golden Globe®, tra cui quelli per il miglior film e il miglior regista. Ha anche vinto il Directors Guild of America (DGA) Award.

 

Spielberg ha ottenuto il terzo Academy Award^® come miglior regista per il film drammatico sulla seconda Guerra mondiale “Salvate il soldato Ryan” (Saving Private Ryan), che nel 1998 ha realizzato i maggiori incassi sul territorio nazionale. Il film è stato fra i più apprezzati dell’anno ed ha ottenuto quattro Oscar^® e due Golden Globe® per il miglior film drammatico e il miglior regista, oltre a numerosi riconoscimenti della critica. Spielberg ha vinto un secondo DGA Award e ha condiviso il Producers Guild of America (PGA) Award con gli altri produttori del film. Lo stesso anno il PGA ha assegnato a Spielberg anche il prestigioso Milestone Award per il contributo storico dato all’industria cinematografica.

 

È stato candidato agli Academy Award^â come miglior regista di “Munich”, “E.T. l’extra-terrestre”, “I predatori dell’arca perduta” (Raiders of the Lost Ark) e “Incontri ravvicinati del terzo tipo” (Close Encounters of the Third Kind). Inoltre, è stato candidato al DGA Award per questi film, oltre che per “Lo squalo”, “Il colore viola” (The Color Purple), “L’impero del sole” (Empire of the Sun) e “Amistad”. Con dieci candidature al DGA Award al suo attivo, Spielberg è il regista che ne ha ottenute più di chiunque altro. Nel 2000 ha vinto il premio alla carriera del DGA. Ha poi ricevuto l’Irving G. Thalberg Award dall’Academy of Motion Picture Arts and Sciences, il Cecil B. DeMille Award dalla Hollywood Foreign Press, un Kennedy Center Honor e numerosi altri riconoscimenti.

 

Di recente, ha diretto il film d’animazione in 3D “Le avventure di Tintin: il segreto dell’unicorno” (The Adventures of Tintin), vincitore del Golden Globe® come miglior film d’animazione. Ha anche diretto “War Horse”, tratto da un premiato romanzo, che è stato adattato per il teatro a Londra e New York, vincendo il Tony Award® per il miglior dramma in scena a Broadway. “War Horse” è stato candidato a sei Academy Award®, tra cui quello per il miglior film. Nel 2011 ha prodotto il successo di cassetta “Super 8”, diretto da J.J. Abrams, ed è stato produttore esecutivo del terzo episodio di “Transformers”, diretto da Michael Bay, che ha incassato più di un miliardo di dollari al box office internazionale. Il prossimo film che dirigerà dopo LINCOLN è la co-produzione Fox / DreamWorks “Robopocalypse”. La produzione inizierà a marzo 2013 e il film sarà distribuito il 25 aprile 2014.

 

La carriera di Spielberg è iniziata nel 1968 con il cortometraggio “Amblin”, grazie al quale è diventato il regista più giovane ad essere ingaggiato a lungo termine da una società di produzioni. Ha diretto alcuni episodi di programmi televisivi quali “Mistero in galleria” (Night Gallery), “Marcus Welby, M.D.” e “Colombo” (Columbo), e si è imposto all’attenzione con il telefilm del 1971 “Duel”. Tre anni dopo, ha esordito come regista di un lungometraggio con “The Sugarland Express”, di cui è stato co-autore della sceneggiatura. Il film successivo è stato “Lo squalo”, suo primo film a superare il traguardo dei 100 milioni di dollari.

 

Nel 1984 ha costituito la sua società di produzioni, la Amblin Entertainment. Con questo marchio, ha prodotto o curato la produzione esecutiva di alcuni film di successo, tra cui “Gremlins”, “The Goonies”, “Ritorno al futuro 1, 2 e 3” (Back to the Future I, II e III), “Chi ha incastrato Roger Rabbit” (Who Framed Roger Rabbit?), “Fievel sbarca in America” (An American Tail), “Twister”, “La maschera di Zorro” (The Mask of Zorro) e la serie “Men in Black”. Nel 1994 si è associato a Jeffrey Katzenberg e David Geffen con i quali ha costituito i DreamWorks Studios. La società ha riscosso successo sia tra i critici sia tra il pubblico, vincendo tre Academy Award^® consecutivi per il miglior film: “American Beauty”, “Il gladiatore” (Gladiator) e “A Beautiful Mind”. La DreamWorks ha prodotto o co-prodotto un gran numero di film: la serie di successo “Transformers”, il film drammatico di Clint Eastwood sulla seconda Guerra mondiale “Flags of Our Fathers” e “Lettere da Iwo Jima” (Letters from Iwo Jima), quest’ultimo candidato all’Oscar^® come miglior film, “Ti presento i miei” (Meet the Parents), “Mi presenti i tuoi?” (Meet the Fockers) e “The Ring”, solo per citarne alcuni. Sotto il marchio della DreamWorks, Spielberg ha anche diretto film del calibro de “La guerra dei mondi” (War of the Worlds), “Minority Report”, “Prova a prendermi” (Catch Me If You Can) e “A.I. Intelligenza artificiale” (A.I. Artificial Intelligence).

 

Spielberg non ha limitato il suo successo al grande schermo. È stato produttore esecutivo della lunga serie televisiva, vincitrice dell’Emmy® Award, “ER – Medici in prima linea”, prodotta dalla sua Amblin Entertainment e dalla Warner Bros. Television per la NBC. Sulla scia dell’esperienza fatta in “Salvate il soldato Ryan”, Tom Hanks e Spielberg si sono uniti per curare la produzione esecutiva della miniserie del 2001 della HBO “Band of Brothers”, tratta dal libro di Stephen Ambrose su un’unità dell’esercito statunitense di stanza in Europa durante la seconda Guerra mondiale. Tra i vari riconoscimenti, il progetto ha vinto l’Emmy® e il Golden Globe® per la migliore miniserie. Spielberg e Hanks sono recentemente tornati a lavorare insieme curando la produzione esecutiva dell’acclamata miniserie del 2010 della HBO “The Pacific”, focalizzandosi questa volta sui Marines nel Pacifico, sempre durante la seconda Guerra mondiale. “The Pacific” ha vinto otto Emmy Award, tra cui quello per la migliore miniserie.

 

Tra gli altri programmi di cui Spielberg è stato produttore esecutivo troviamo la miniserie del SciFi Channel, vincitrice di un Emmy®, “Taken”, la miniserie della TNT “Into the West” e la serie della Showtime “The United States of Tara”. Al momento, è produttore esecutivo di “Falling Skies” sulla TNT e “Smash” sulla NBC.

 

A parte il lavoro nell’industria cinematografica, Spielberg dedica tempo e risorse a molti progetti filantropici. L’impatto avuto da “Schindler’s List” lo ha spinto a istituire la fondazione Righteous Persons a cui ha devoluto i profitti del film. Ha anche creato la fondazione Survivors of the Shoah Visual History che, nel 2005, è diventata l’USC Shoah Foundation Institute for Visual History and Education. Oltre a ciò, Spielberg è Presidente onorario della fondazione Starlight Children.

 

 

La sette volte candidata agli Academy Award® KATHLEEN KENNEDY(produttore) è uno dei produttori e dirigenti di maggiore successo e più rispettati dell’industria cinematografica. È entrata alla Lucasfilm Ltd. a metà del 2012 e al momento è co-presidente insieme a George Lucas. A testimonianza del suo ruolo nella comunità cinematografica, è anche Vice President dell’Academy of Motion Pictures Arts and Sciences (AMPAS), oltre ad essere membro del Board of Governors. La Kennedy ha al suo attivo tre dei film con i maggiori incassi lordi nella storia del cinema: “E.T. l’extra-terrestre” (E.T. The Extra-Terrestrial), “Jurassic Park” e “Il sesto senso” (The Sixth Sense).

 

Prima di far parte della Lucasfilm, ha guidato la Kennedy/Marshall Company, che ha fondato nel 1992 insieme al regista/produttore Frank Marshall. Tra i progetti più recenti della società figurano il film d’animazione “Le avventure di Tintin: il segreto dell’unicorno” (The Adventures of Tintin), tratto dall’iconico personaggio creato dall’artista belga Georges Remi; “War Horse”, tratto dal libro di Michael Morpurgo; e “Hereafter”, cupa visione sulla vita e la morte e ciò che si trova oltre, interpretata da Matt Damon e diretta da Clint Eastwood. La Kennedy è anche stata produttore esecutivo (con George Lucas) dell’atteso quarto episodio della serie di Indiana Jones, “Indiana Jones e il regno del teschio di cristallo” (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull), diretto da Steven Spielberg e prodotto da Frank Marshall.

 

Con il marchio Kennedy/Marshall, la Kennedy ha prodotto film del calibro de “Il curioso caso di Benjamin Button” (The Curious Case of Benjamin Button), che ha ricevuto dieci candidature e ha vinto tre Academy Award®, “Il sesto senso” (sei candidature agli Academy Award®, tra cui quella per il miglior film), “Seabiscuit – Un mito senza tempo” (sette candidature agli Oscar® inclusa quella per il miglior film) e “La neve cade sui cedri” (Snow Falling on Cedars). La Kennedy ha anche prodotto alcuni film indipendenti, tra cui “Persepolis” (candidato all’Oscar® per il miglior film d’animazione) e “Lo scafandro e la farfalla” (The Diving Bell and the Butterfly), vincitore del Golden Globe® per il miglior film in lingua straniera e per il miglior regista.

 

La sua brillante carriera di produttore è iniziata grazie a una proficua collaborazione con Steven Spielberg, quando lei era assistente di produzione nel film “1941 Allarme a Hollywood”. In seguito, è diventata produttore associato de “I predatori dell’arca perduta” (Raiders of the Lost Ark) e “Poltergeist – Demoniache presenze”, e produttore di “E.T. l’extra-terrestre” (E.T. The Extra-Terrestrial). Mentre “E.T.” si affermava come un fenomeno internazionale, Spielberg, la Kennedy e Marshall erano già impegnati nella produzione di “Indiana Jones e il tempio maledetto” (Indiana Jones and the Temple of Doom), prodotto da lei e Marshall insieme a Lucas.

 

Nel 1982 la Kennedy ha co-fondato la Amblin Entertainment con Spielberg e Marshall. Alla Amblin ha prodotto e guidato due delle serie di maggiore successo della storia: “Jurassic Park” e la trilogia di “Ritorno al futuro” (Back To The Future). Inoltre, la Kennedy è stata produttore o produttore esecutivo di una sfilza di successi di critica e di cassetta: “Twister”, “Balto”, “I ponti di Madison County” (The Bridges of Madison County), “I Flintstones”, “Schindler’s List”, “We’re Back! – Quattro dinosauri a New York” (We’re Back! A Dinosaur’s Story), “Rumori fuori scena” (Noises Off), “Hook – Capitan Uncino”, “Fievel sbarca in America” (An American Tail), “Cape Fear – Il promontorio della paura”, “Gremlins: la nuova stirpe” (Gremlins 2: The New Batch), “Joe contro il vulcano” (Joe Versus the Volcano), “Always – Per sempre”, “Gremlins”, “Alla ricerca della valle incantata” (The Land Before Time), “Chi ha incastrato Roger Rabbit” (Who Framed Roger Rabbit?), “Miracolo sull’ottava strada” (*batteries not included), “L’impero del sole” (Empire of the Sun), “Salto nel buio” (Innerspace), “Casa dolce casa?” (The Money Pit), “Il colore viola” (The Color Purple), “Piramide di paura” (Young Sherlock Holmes), “The Goonies” e il debutto alla regia di Frank Marshall, “Aracnofobia” (Arachnophobia). Tra le altre collaborazioni con Spielberg troviamo “Munich”, “La guerra dei mondi” (War of the Worlds) e “A.I. Intelligenza artificiale” (A.I. Artificial Intelligence).

 

La Kennedy ha recentemente concluso il mandato di Presidente del Producers Guild of America, che le ha conferito il massimo riconoscimento, il Charles Fitzsimmons Service Award, nel 2006. Nel 2008 lei e Marshall hanno ricevuto il David O. Selznick Award, premio alla carriera del Producers Guild of America.

 

Cresciuta nelle cittadine di Weaverville e Redding, in California settentrionale, la Kennedy si è laureata alla San Diego State University in telecomunicazioni e cinematografia. Quando ancora era una studentessa, ha iniziato a lavorare in una stazione televisiva a San Diego, in California. Dopo essere stata operatore MdP, addetta al montaggio video, direttore artistico e coordinatore della produzione, la Kennedy ha prodotto il talk show “You’re on”. In seguito, si è trasferita a Los Angeles e ha lavorato con il regista John Milius prima d’iniziare una nuova associazione insieme a Spielberg.

 

 

TONY KUSHNER (sceneggiatura) è l’autore di varie commedie, tra cui “A Bright Room Called Day”; “Angels in America, Part One & Two”; “Slavs!”; “Homebody/ Kabul”; “Caroline, or Change”, un musical realizzato insieme alla musicista Jeanine Tesori; e “The Intelligent Homosexual’s Guide to Capitalism and Socialism with a Key to the Scriptures”.

 

Ha scritto il libretto per l’opera “A Blizzard on Marblehead Neck”, sempre con la Tesori. Ha adattato e tradotto “The Illusion” (L’illusion comique) di Pierre Corneille; “The Dybbuk” di S.Y. Ansky; “The Good Person of Szechwan” (Der Gute Mensch von Szechwan) e “Mother Courage and Her Children” (Mutter Courage und ihre Kinder) di Bertolt Brecht; infine, il libretto in inglese dell’opera “Brundibár” di Hans Krasa.

 

Ha scritto la sceneggiatura del film di Mike Nichols “Angels in America” e di “Munich” di Steven Spielberg. È autore dei libri “Brundibár”, illustrato da Maurice Sendak; “The Art of Maurice Sendak, 1980 to the Present”; e “Wrestling with Zion: Progressive Jewish-American Responses to the Israeli-Palestinian Conflict”, scritto insieme ad Alisa Solomon.

 

Kushner ha vinto un premio Pulitzer, due Tony Award®, tre Obie Award, due Evening Standard Award, un Olivier Award, un Emmy® Award ed è stato candidato a un Oscar®, fra i numerosi riconoscimenti che ha ricevuto negli anni. Nel 2008 è stato il primo vincitore dello Steinberg Distinguished Playwright Award. Vive a Manhattan con il marito Mark Harris.

 

 

DANIEL LUPI (produttore esecutivo) ha di recente prodotto “The Master” diretto da Paul Thomas Anderson e interpretato da Philip Seymour Hoffman e Joaquin Phoenix. Ha anche prodotto due altri film per Paul Thomas Anderson: “Il petroliere” (There Will Be Blood) e “Ubriaco d’amore” (Punch-Drunk Love).

 

Ha curato la produzione esecutiva di “Vi presento i nostri” (Little Fockers) di Paul Weitz, “Downsizing” di Alexander Payne, “Land of the Lost” di Brad Silberling, “Leoni per agnelli” (Lions for Lambs) di Robert Redford, “Get Rich or Die Tryin’” di Jim Sheridan, “Derby in famiglia” (Kicking & Screaming) di Jesse Dylan e “50 volte il primo bacio” (50 First Dates) di Peter Segal.

 

 

JEFF SKOLL (produttore esecutivo) è un filantropo e un imprenditore nel settore sociale. Fondatore e presidente della Skoll Foundation, della Participant Media e dello Skoll Global Threats Fund, Skoll sta dando vita alla sua visione di un mondo sostenibile di pace e prosperità.

 

Ha fondato la Participant Media nel 2004, credendo che una storia ben narrata abbia il potere d’inspirare e promuovere il cambiamento sociale. I film della Participant sono accompagnati da iniziative sociali e campagne per coinvolgere le persone sui temi trattati nei film.

 

Skoll è stato produttore esecutivo di più di trenta film, che hanno complessivamente ricevuto un totale di cinque Academy Award® e ventidue candidature. I film prodotti dalla Participant comprendono, tra gli altri, “Good Night, and Good Luck”, “North Country – Storia di Josey”, “Syriana”, “Una scomoda verità” (An Inconvenient Truth), “Il cacciatore di aquiloni” (The Kite Runner), “La guerra di Charlie Wilson” (Charlie Wilson’s War), “L’ospite inatteso” (The Visitor), “The Cove”, “Countdown to Zero”, “Waiting for Superman”, “Food, Inc.”, “The Help”, “Contagion”, “Marigold Hotel” (The Best Exotic Marigold Hotel) e “Promised Land”.

 

Nel 2009 la Participant ha lanciato il proprio hub digitale, TakePart.com, un Social Action Network™ che promuove l’azione e che coinvolge le persone sui temi che hanno maggiore peso sulle loro vite. TakePart ha lanciato una rivista digitale sui network MSN e YouTube nel 2012.

 

 

JONATHAN KING (produttore esecutivo) è il responsabile della produzione della divisione cinema narrativo della Participant Media. La produzione della Participant è legata all’idea che da una buona storia possa scaturire un cambiamento positivo nella nostra vita. Alcuni film recenti della Participant sono “The Help”, “Contagion”, “Marigold Hotel” (The Best Exotic Marigold Hotel) e “No” del regista cileno Pablo Larrain, che quest’anno ha vinto l’Art Cinema Prize al Festival del cinema di Cannes.

Prima di lavorare con la Participant, King è stato produttore e dirigente in varie società: la Focus Features, la Laurence Mark Productions e la Miramax Films. Tra i film a cui ha collaborato troviamo “Dreamgirls”, “The Lookout”, “Scoprendo Forrester” (Finding Forrester), “Studio 54”, “Guinevere” e “Judas Kiss”. Ha iniziato la sua carriera nel cinema negli uffici newyorkesi della MGM/UA, occupandosi di scouting di libri, film indipendenti e lavori teatrali.

Al momento è membro del comitato consultivo dell’Outfest Legacy Project, una partnership con l’UCLA Film and Television Archive, che cura il restauro e la conservazione di opere importanti del cinema. Fa anche parte del comitato consultivo della Scuola di cinema della Florida State University e del direttivo del John Alexander Project, una nuova organizzazione non-profit che promuove il giornalismo investigativo innovativo. Vive a Venice, in California.

 

JANUSZ KAMINSKI (direttore della fotografia) ha creato alcune delle immagini più memorabili e indimenticabili nella storia del cinema.

 

Originario della Polonia, Kaminski ha una lunga e proficua collaborazione con Steven Spielberg, che risale al 1993 con il film per la televisione “Class of ’61”, di cui Spielberg è stato produttore esecutivo. I due hanno poi unito i loro talenti in “Schindler’s List” (con cui Kaminski ha vinto il suo primo Academy Award® per la migliore fotografia), “Jurassic Park – Il mondo perduto” (The Lost World: Jurassic Park), “Amistad” (candidato all’Oscar^®), “Salvate il soldato Ryan” (Saving Private Ryan), che gli è valso il secondo Academy Award, “A.I. Intelligenza artificiale” (A.I. Artificial Intelligence), “Minority Report”, “Prova a prendermi” (Catch Me If You Can), “The Terminal”, “La guerra dei mondi” (War of the Worlds), “Munich”, “Indiana Jones e il regno del teschio di cristallo” (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull) e “War Horse”.

 

Tra gli altri titoli della filmografia di Kaminski come direttore della fotografia, troviamo “Come lo sai” (How Do You Know), “Funny People”, “Lo scafandro e la farfalla” (The Diving Bell and the Butterfly), candidato all’Oscar®, “Jumbo Girl”, “Jerry Maguire”, “Tall Tale”, “Gli anni dei ricordi” (How to Make an American Quilt), “Piccoli campioni” (Little Giants), “Le avventure di Huck Finn” (The Adventures of Huck Finn) e “Killer Instinct”.

 

Nel ruolo di regista, Kaminski ha diretto “Lost Souls – La profezia” e “Hania” (di cui è stato anche direttore della fotografia). È stato regista e direttore della fotografia anche di “American Dream”.

 

 

RICK CARTER (scenografie) ha vinto un Academy Award^® e un BAFTA nel 2010 per le scenografie fantastiche del megasuccesso di James Cameron “Avatar”. È stato premiato anche dai suoi colleghi con un Art Directors Guild Award per l’eccellenza delle scenografie in un film di fantasia. Carter ha ricevuto la sua prima candidatura agli Oscar^® per il lavoro realizzato nel film di Robert Zemeckis “Forrest Gump”.

 

Di recente, ha curato le scenografie del film di Steven Spielberg “War Horse”. Ha collaborato con il regista in un insieme eterogeneo di film: “Munich”, “La guerra dei mondi” (War of the Worlds), “A.I. Intelligenza artificiale” (A.I. Artificial Intelligence), “Amistad”, il blockbuster “Jurassic Park” e il sequel “Jurassic Park – Il mondo perduto” (The Lost World: Jurassic Park).

 

Nel 2011 ha realizzato le scenografie del film di fantasia di Zack Snyder “Sucker Punch”.

 

Carter è lo scenografo preferito di Zemeckis, che lo ha voluto per i film “The Polar Express”, “Cast Away”, “Le verità nascoste” (What Lies Beneath), “La morte ti fa bella” (Death Becomes Her) e “Ritorno al futuro 2 e 3” (Back to the Future II e III).

 

All’inizio della carriera, lo scenografo ha lavorato per la televisione nella serie “Storie incredibili” (Amazing Stories) prodotta dalla Amblin Entertainment di Spielberg. Grazie al programma, ha collaborato con alcuni famosi registi, tra cui Martin Scorsese e Clint Eastwood.

 

 

MICHAEL KAHN, A.C.E. (montaggio) è una delle maggiori personalità di tutti i tempi nel suo settore. Ha vinto l’Academy Award® per il montaggio de “I predatori dell’arca perduta” (Raiders of the Lost Ark), “Schindler’s List” e “Salvate il soldato Ryan” (Saving Private Ryan), tutti diretti da Steven Spielberg. Con sette candidature agli Oscar®, è il montatore ad avere ottenuto il maggior numero di riconoscimenti nella storia del cinema. Ha anche vinto due BAFTA Award ed è stato candidato a quattro. Lo scorso anno Kahn ha curato il montaggio del film d’animazione/live-action di Spielberg “Le avventure di Tintin: il segreto dell’unicorno” (The Adventures of Tintin) e del film candidato agli Academy Award® “War Horse”. 

 

 

Durante la sua illustre carriera che copre quattro decenni, Kahn si è distinto per il lavoro di montaggio realizzato in molti film considerati oggi dei classici: “Incontri ravvicinati del terzo tipo” (Close Encounters of the Third Kind), “Il colore viola” (The Color Purple), “L’impero del sole” (Empire of the Sun), “Always – Per sempre”, “Castelli di ghiaccio” (Ice Castles), “I predatori dell’arca perduta” (Raiders of the Lost Ark), “Indiana Jones e il tempio maledetto” (Indiana Jones and the Temple of Doom), “Indiana Jones e l’ultima crociata” (Indiana Jones and the Last Crusade) e “Indiana Jones e il regno del teschio di cristallo” (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull).

 

Kahn ha anche montato “Pirati dei Caraibi – Oltre i confine del mare” (Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides), “Prince of Persia: Le sabbie del tempo” (Prince of Persia: The Sands of Time), “Munich”, “The Terminal”, “La guerra dei mondi” (War of the Worlds), “Prova a prendermi” (Catch Me If You Can), “Alive – Sopravvissuti”, “Aracnofobia” (Arachnophobia), “Attrazione fatale” (Fatal Attraction), “The Goonies”, “Poltergeist – Demoniache presenze”, “1941 Allarme a Hollywood”, “Gli occhi di Laura Mars” (Eyes of Laura Mars) e “La vendetta dell’uomo chiamato cavallo” (The Return of a Man Called Horse).

 

In televisione ha curato il montaggio del film “Eleanor and Franklin”. La sua carriera è iniziata con la celebre serie televisiva “Gli eroi di Hogan” (Hogan’s Heroes).

 

 

BEN MORRIS (supervisione effetti visivi) ha iniziato la sua carriera ideando sistemi di performance control per film quali la serie di “Babe” di George Miller e supervisionando la creazione di personaggi CG per “Il gladiatore” (Gladiator) di Ridley Scott. Nel 2000 si è unito al team degli effetti visivi della Framestore nel film “Dinotopia”, occupandosi dell’integrazione della motion rig e della motion-control camera con i sistemi di animazione dei personaggi CG, vincendo un Emmy® e il VES (Visual Effects Society) Award.

 

La sequenza nella stanza degli scoiattoli ne “La fabbrica di cioccolato” (Charlie and the Chocolate Factory) di Tim Burton gli ha dato l’opportunità di ampliare ulteriormente lo sviluppo dei personaggi. Morris ha guidato il team che ha creato i personaggi CG principali di Lorek, Ragnar e una schiera di orsi corazzati ne “La bussola d’oro” (The Golden Compass) di Chris Weitz, che gli è valso l’Academy Award® e il BAFTA Award per i migliori effetti visivi.

 

Nel film di Mike Newell “Prince of Persia: Le sabbie del tempo” (Prince of Persia: The Sands of Time) ha creato le vipere e gli ambienti CG della clessidra.

 

Recentemente, Morris ha collaborato al film di Steven Spielberg sulla prima Guerra mondiale “War Horse”, ottenendo una candidatura ai BAFTA.

 

JOANNA JOHNSTON (ideazione costumi) ha lavorato per la prima volta con Steven Spielberg come assistente dell’ideatore dei costumi vincitore di un Academy Award® Anthony Powell in “Indiana Jones e il tempio maledetto” (Indiana Jones and the Temple of Doom). È stata assistente di Powell anche nei film “Delitto sotto il sole” (Evil Under the Sun) e “Tess” di Roman Polanski.

 

Come assistente costumista ha lavorato con Milena Canonero ne “La mia Africa” (Out of Africa), che è valso alla Canonero una candidatura agli Oscar®. Ha poi collaborato con Tom Rand nel film candidato agli Oscar “La donna del tenente francese” (The French Lieutenant’s Woman) e in “Battuta di caccia” (The Shooting Party).

 

Come ideatrice dei costumi la Johnston ha collaborato spesso con Steven Spielberg, ad esempio in “Salvate il soldato Ryan” (Saving Private Ryan), “Munich”, “Indiana Jones e l’ultima crociata” (Indiana Jones and the Last Crusade), “La guerra dei mondi” (War of the Worlds) e “War Horse”.

 

Ha collaborato di frequente anche con il regista Robert Zemeckis, ad esempio in “Chi ha incastrato Roger Rabbit” (Who Framed Roger Rabbit?), “Ritorno al futuro 2” (Back To The Future Part II), “Ritorno al futuro 3” (Back To The Future Part III), “La morte ti fa bella” (Death Becomes Her), “Contact”, “Cast Away”, “The Polar Express” e il vincitore di un Academy Award® “Forrest Gump”.

 

Altri film a cui ha prestato la sua opera sono “Il sesto senso” (The Sixth Sense) e “Unbreakable – Il predestinato” di M. Night Shyamalan; “About A Boy” di Paul e Chris Weitz, grazie al quale è stata candidata a un Costume Designers Guild Award; infine, “Love Actually – L’amore davvero” e “I love Radio Rock” (The Boat That Rocked) di Richard Curtis.

 

La Johnston ha lavorato anche con Bryan Singer in “Operazione Valchiria” (Valkyrie) e, recentemente, in “Jack the Giant Killer”.

 

 

In una carriera che copre un arco di sei decenni, JOHN WILLIAMS (compositore) è diventato uno dei compositori americani di musica cinematografica e concertistica più illustri, ed è indubbiamente una delle voci musicali più autorevoli degli Stati Uniti.

 

Ha composto e diretto le musiche per oltre cento film, che comprendono, tra gli altri, tutti e sei i film della serie “Guerre stellari” (Star Wars), i primi tre film della serie “Harry Potter”, “Superman”, “JFK – Un caso ancora aperto”, “Nato il 4 luglio” (Born on the Fourth of July), “Memorie di una geisha” (Memoirs of a Geisha), “Cuori ribelli” (Far and Away), “Turista per caso” (The Accidental Tourist) e “Mamma ho perso l’aereo” (Home Alone).

 

Il connubio artistico quarantennale con il regista Steven Spielberg ha prodotto molti dei film più acclamati e di maggiore successo di Hollywood: “Schindler’s List”, “E.T. l’extra-terrestre” (E.T. The Extra-Terrestrial), “Lo squalo” (Jaws), “Jurassic Park”, “Incontri ravvicinati del terzo tipo” (Close Encounters of the Third Kind), i film della serie “Indiana Jones”, “Munich”, “Salvate il soldato Ryan” (Saving Private Ryan), “Le avventure di Tintin: il segreto dell’unicorno” (The Adventures of Tintin) e “War Horse”.

 

Il suo contributo alla musica per la televisione spazia dagli oltre duecento film tv alle serie pionieristiche “Alcoa Theatre”, “Kraft Mystery Theater”, “Polvere di stelle” (Chrysler Theatre) e “Playhouse 90”, oltre ai temi per “NBC Nightly News” (The Mission), “NBC’s Meet the Press” e la vetrina artistica della PBS “Great Performances”.Ha inoltre composto i temi per i Giochi Olimpici estivi del 1984, 1988 e 1996 e quello per i Giochi Olimpici invernali del 2002. Ha vinto cinque Academy Award® ed è stato candidato a quarantasette Oscar®, diventando così la persona vivente con il maggior numero di candidature agli Academy Award. Ha ottenuto sette British Academy Award (BAFTA), ventuno GRAMMY®, quattro Golden Globe®, cinque Emmy® e numerosi dischi d’oro e di platino. Nel 2003 ha ricevuto l’Ordine olimpico (la massima onorificenza del Comitato olimpico internazionale) per il contributo al movimento olimpico. A dicembre 2004 gli è stato conferito il prestigioso Kennedy Center Honor e nel 2009 ha ricevuto la National Medal of Arts, il maggiore riconoscimento conferito agli artisti dal governo statunitense.

 

A gennaio 1980 è stato nominato diciannovesimo direttore d’orchestra della Boston Pops Orchestra, succedendo al leggendario Arthur Fiedler. Al momento ha il titolo di direttore d’orchestra ospite della Boston Pops, ruolo che ha assunto quando è andato in pensione a dicembre 1993, dopo quattordici stagioni di grandi successi. Ha anche il titolo di Artist-in-Residence al Tanglewood. Williams ha composto numerosi concerti, tra cui due sinfonie e alcuni concerti commissionati da diverse importanti orchestre internazionali, incluso un concerto per violoncello per la Boston Symphony Orchestra, un concerto per fagotto per la New York Philharmonic, un concerto per tromba per la Cleveland Orchestra e un concerto per corno per la Chicago Symphony Orchestra.

 

Nel 2009 Williams ha composto e arrangiato Air and Simple Gifts per la cerimonia d’insediamento del Presidente Barack Obama e, a settembre 2009, la Boston Symphony ha eseguito in anteprima un nuovo concerto per arpa e orchestra intitolato On Willows and Birches.